Descripción por los arquitectos. A3— Advanced Architecture Apartments (Departamentos de arquitectura avanzada) se incorpora armoniosamente en el contexto de su entorno.
Dos puntos de partida, la montaña y la ciudad, establecen el concepto arquitectónico general. El terreno reservado para A3 está en el área fronteriza, donde la ciudad y la montaña se desbordan en una. Las líneas y los bordes claros se difuminan en formas suaves y delicadas, lo que permite a todos determinar exactamente dónde y cómo percibir la forma y el espacio.
Situado en una de las zonas más contemporáneas de Sofia (Bulgaria), A3 está diseñado para ser relevante, contextual y de vanguardia. Algunos de los edificios más modernos e interesantes de Sofia están exactamente aquí. Por otro lado, un elemento muy dominante del medio ambiente es la montaña, que asoma en el futuro edificio. La combinación de estos dos potentes componentes dan como resultado una forma dinámica y moderna del edificio, sin dañar la función.
Se divide en cinco volúmenes, vinculados en un conjunto común que define su forma final. Cada uno de los volúmenes está delineado con formas suaves y elegantes que permiten que todos los asocien con su propia imaginación. Es fácil relacionar los elementos de cinco picos con las montañas o con la silueta de una familia con tres hijos, pero el concepto más profundo es estimularlo a definirse a sí mismo como envuelto con el edificio. Convertirse en el autor de una nueva forma, para ser inspirado.
La creación de los flujos va desde el interior hacia el exterior, el diseño sigue estrictamente a la función, que es el enfoque que el estudio considera correcto para el diseño de edificios residenciales. La función intransigente cumple completamente con el programa de inversionistas. Hay formas ortogonales rectas en el diseño, que brindan comodidad y flexibilidad en la organización del espacio interior.
El edificio de 100 metros de largo se divide en 5 bloques (entradas) cada uno con su propia comunicación vertical. Las dos primeras secciones, A y B, tienen dos departamentos en cada piso, mientras que las entradas V, G y D, tres departamentos en cada piso. La pequeña cantidad de departamentos por piso aumenta la sensación de una vida de lujo y brinda más privacidad.
Hay 158 viviendas en el edificio, cada una con una función excelente y una posición geográfica favorable. Todos los salones están situados al este-sureste, ricamente acristalados, frente a la montaña Vitosha y al paisaje urbano.
La planta baja está diseñada para uso comercial con tiendas que van desde los 50 a los 100 metros cuadrados. El estacionamiento de autos está asegurado por dos niveles subterráneos y toda el área libre de superficie está planificada para el paisajismo y la recreación.
Corte
El diseño de A3 contiene una elegancia estricta y formas orgánicas suaves. El edificio se percibe igualmente bien en la silueta general y desde diferentes ángulos. La sensación de elegancia y sofisticación se ve reforzada por los materiales de fachada: vidrio y fibra de Rieder. El vidrio está en dos colores: transparente y Graffiti Lacobel.
FibreC es un material innovador y de alta tecnología, hecho de hormigón de fibra de vidrio, que ofrece opciones ilimitadas en la formación. Además de la estética y la funcionalidad, los materiales proporcionan durabilidad y fácil mantenimiento del edificio.
Equipo Bohlin Cywinski Jackson: Peter Bohlin FAIA, Principal Robert Miller FAIA, Principal Kirk Hostetter AIA, Project Manager David Miller AIA, Christian Kittelson AIA, Nate Lambdin, Matt Wittman AIA, Natalie Gentile, Patty Culley
Equipo Anderson Mason Dale: Paul Haack, AIA, Principal in Charge David Houston, AIA, Project Manager
Contratista General: Constructora Adolfson y Peterson
Diseño Gráfico Arquitectónico: WPA, Inc.
Mecánica, Eléctrica, Plomería: Ingeniería y Consultoría Shaffer Baucom
Ingeniería Civil: Ingenieria Martin/Martin
Ingeniería Estructural: Estudio NYL
Consultor Energético: Architectural Energy Corporation
Descripción enviada por el equipo del proyecto. Márquez Hall, el hogar del Departamento de Ingeniería Petrolera de la Escuela de Minas de Colorado en Golden, Colorado, está diseñado para reflejar el papel cambiante de la energía del petróleo a las energías renovables. La instalación de 8082.6 m2 acomoda las crecientes necesidades del distinguido programa de ingeniería al tiempo que crea una entrada a un nuevo Patio de Ciencias de la Tierra.
Diagrama
Formando un borde de una pasarela peatonal que conecta dos cuadrángulos principales, la ubicación mejora las espectaculares vistas de las montañas circundantes. El plan en forma de L define un nuevo patio activo con asientos diseñados a medida para fomentar la interacción.
La planta consta de tres alas de programa. La ala norte contiene una combinación de laboratorios de graduados y de pregrado, un aula de visualización en 4-D y una sala de simuladores de perforación. La ala sur tiene oficinas y espacios de apoyo para mejorar la interacción entre los estudiantes, la facultad y los equipos de investigación. El ala sudeste ofrece una sala de conferencias y cuatro niveles de aulas inteligentes y salas de seminarios.
El espacio de exposición transparente y el vestíbulo de entrada se ubican a lo largo de Cheyenne Way, una calle prominente del campus. Las paredes estructurales de vidrio esmaltado cuelgan del techo en voladizo de 18.3 m. Una serie de capas, construidas con muro cortina de vidrio, chapa de aluminio y revestimiento de terracota, expresan el programa. Las persianas de metal sombrean los espacios interiores, lo que permite vistas de los cerros distantes de los salones de clase y del laboratorio.
Marquez Hall refuerza la visión de la Escuela de Minas de Colorado para el futuro al mirar al usuario, al campus y a la comunidad, para lograr un vocabulario arquitectónico que refleje la investigación y los programas innovadores de la escuela.
¿Qué tiene la obra de Joaquín Vaquero Palacios que nos sorprende después de tanto tiempo y que la hace merecedora de una exposición en el Museo ICO y tantas visitas de especialistas? Muchas veces me han utilizado, y yo encantado, como arquitecto de contacto para venir a Asturias a ver las obras de Vaquero. La disposición de Hidrocantábrico y ahora de EDP (yo sigo hablando con las mismas personas, gracias por tanto a Nicanor Fernández y su equipo) siempre es total asumiendo con estoicismo cambios, ya que los de fuera no se dan cuenta, por ejemplo, de que ir a Grandas de Salime sigue siendo un gran viaje que ocupa, llena de dicha, el día entero o que las cuestiones de seguridad son fundamentales.
En cierta ocasión trajimos un autobús desde la Universidad InternacionaI Menéndez Pelayo y al final del día aplaudían en el bus como si hubiera sido una ópera. Y lo era: la gran ópera formal de Vaquero. Este año sin ir más lejos fui cicerone para el Máster de Arquitectura Avanzada de la Universidad Politécnica de Madrid, que dirige Juan Herreros, un apasionado de Vaquero que nos acompañó en muchas ocasiones, donde había estudiantes de cinco nacionalidades distintas que quedaban boquiabiertos al ver las centrales. También coincidimos en Proaza, en las oficinas, y en Veriña con el joven equipo de arquitectos que diseñaba esta exposición, y que iban revisando, cada parte, cada archivo que encontraban en los edificios.
Recuerdo perfectamente, y me sigue impresionando cada vez que voy, la primera vez que visité Proaza, aquel "exceso" de diseño, que sería la envidia de Ken Adam, el proyectista de los interiores de James Bond, donde todo, todo, está pensado. Me emocioné (y esto se lo dice alguien que estuvo en la Hoover Dam). Vaquero nos protege de lo descomunal, a lo que alude el título de la exposición ("La belleza de lo descomunal"), con la escala del diseño próximo. Los interiores también en Grandas, en todas, con esos paneles que son propiamente cuadros neoplásticos. Luego, los materiales con cueros que me recordaban los asientos del seiscientos de mi padre, que yo iba acariciando el día, con diez años, que salí volando.
Pero es que en Vaquero, el bolidismo de Mollino (también con esa pelle en sus muebles), o el futurismo de Sant'Elia (que aquí se hacía realidad en sus centrales) Italia entera, es una fontana donde bebió y bien en su etapa al frente de la Academia de España en Roma. Incluso dio la imagen que hoy vemos al pabellón de España de la Bienal de Venecia. El concurso para el Faro de Colón con Luis Moya (tercer premio)... Su estancia en Nueva York (¡qué preciosas las tintas negras sobre la ciudad! Ved el texto de Francisco Egaña Casariego sobre esta etapa)... No me digan que el edificio sede en la plaza de la Gesta de Oviedo no está pensado en la Gran Manzana o en Chicago? México…
Aunque la exposición se centra entre los años 54 y 80, los de la fructífera relación con Hidroeléctrica, vamos en las centrales, yo quedo asimismo absorto y no puedo dejar de citar el edificio del Instituto Nacional de Previsión tras el Campoamor o las viviendas de la calle Uría de Oviedo, que, sobre todo cuando ves las fotos de la época en construcción, comparándolo con los coches, que entonces su diseño va muy por delante del automovilístico.
Cuenta José Antonio Pérez Lastra en su estupendo libro sobre el maestro que publicó el Colegio de Arquitectos, que el proyecto original del Instituto Nacional de Previsión que vemos en fotos antiguas con una enorme escalera de caracol, contrastando su circularidad con lo recto del edificio, fue desfigurado por la mano precisamente de García Mercadal (quien había estado en La Sarraz con Le Corbusier y los demás) y así destruyó la expresionista escalera y levantó una planta en la fachada al teatro perdiendo así esbeltez la esquina, y esto desató la ira del asturiano. Toño Lastra, que en alguna ocasión nos sirvió de guía, tuvo una relación de amable admiración con el artista.
Hay otras historias que ya no recuerdo quién me las contó. La gran águila que iba a rematar la presa de Salime, el Ferre como el artista lo llamaba en bable, con unas escaleras por detrás que se podían subir para mirar. Lógicamente el águila es el animal que más les gusta a los dictadores. Sin embargo, Francisco Franco, en esta Asturias nuestra dinamitera, pidió que se eliminara ese símbolo prepotente para no provocar a los "perdedores" en un lugar tan apartado y tan peligroso en caso de terrorismo por las consecuencias que tendría.
Pero Vaquero es también Vaquero pintor, Vaquero escultor...y esta exposición da buena fe de ello. Una de las salas presenta su caballete que soporta una foto del pintor con su paleta. Llegó a ser miembro de la prestigiosa Academia de San Luca de Roma (que se fundó en el siglo XV y de la que otros españoles también fueron miembros: Velázquez, Ribera, Picasso, Dalí, Miró…). Su obra se incluye en lo que Richard Wagner llamó Gesamtkunstwerk, la obra de arte total, y es que hasta el ruido de las turbinas o la explosión del agua en Proaza en la sala donde llega desde el azud del monte, colabora en la experiencia global.
También es parte de la liturgia el viaje a través de paisajes preciosos, inmensos, que te llevan allí. Natalia Tielve, profesora de la Universidad de Oviedo y muy vinculada a INCUNA (patrimonio industrial), en el catálogo nos recuerda que Walter Gropius en el primer manifiesto de la Bauhaus abogaba por la reunificación de las artes. Vaquero en fin, tengo que decir la obviedad: fue un hombre renacentista, que fundió todas las artes. Pueden ver en el Museo de Bellas Artes de Asturias obras suyas: casas de teito de Somiedo o la Catedral dañada por la guerra... A mí me encanta cuando parece que esculpe los paisajes con los pinceles, como esos murales del Hotel de la Reconquista de Oviedo o del Aeropuerto de Asturias...O aquel rotundo Pantheon. Otras en la meseta me recuerdan a Ortega Muñoz, otro viajero pintor.
La exposición quiere incidir, cómo no, en esa faceta panartística y en su colaboración con su hijo Vaquero Turcios, padre del comisario, que es el responsable de muchas partes de su obra pictórica en las centrales. Turcios también aparece en la exposición en el corto de Jorge Rivero, La Presa, en el que casi la mitad de la cinta lleva como voz en off la última entrevista que se le hizo (una parte, porque Jorge guarda aún más) y es una muestra clara, con las fotos de bueyes, con las fotos de grúas como platillos volantes que pueblan el cielo, de lo que tuvo de épico la construcción, de Odisea en el más puro sentido, un viaje a un sitio que sigue siendo lejano pero que entonces estaba fuera del mundo, de una obra como aquella.
Joaquín Vaquero Ibáñez, arquitecto también, nieto e hijo de los homónimos, con proyección internacional a través de edificaciones modulares industrializadas (grandes espacios oficinas en Rusia y Holanda, auditorios corporativos en Segovia) siempre vinculado al mundo del arte y el diseño, ha impulsado y comisariado esta exposición, y nos comenta:
La escala ha sido desde el primer momento uno de los grandes retos a la hora de intentar transmitir las sensaciones vividas en semejantes espacios industriales. Hablamos de presas construidas mediante millones de toneladas de hormigón que conforman interiores descomunales y gigantescos; saltos de agua excavados en montañas de roca viva a los que se accede a través de túneles infinitos; salas de turbinas donde podrían convivir varios aviones de línea regular... Las dimensiones de estos espacios escapan a nuestra percepción cotidiana, transportándonos a mundos más cercanos a los dioses
Hay nuevas grabaciones hechas ex profeso para esta exposición por Juan Vaquero, también saga, que, con una sensibilidad increíble, nos mete en una sala donde las proyecciones en blanco y negro nos rodean. Además del lujo que suponen las 90 fotografías tomadas también para esta ocasión por el gran fotógrafo Luis Asín. Bocetos, maquetas, libros, diversos elementos de diseño industrial. También fotografías de época alucinantes, algunas con Gala y Dalí, con Alvar Aalto. También hay textos de Alberto Sartoris, comparando las centrales de Vaquero con el Baptisterio de Parma, con la villa Maser de Palladio. Su mujer, Teresa Turcios Darío, era hija de la única hermana de Rubén Darío. Vamos que el artista vivía entre poesía.
Catálogo
Tenemos que alegrarnos además de la edición de un cuidado catálogo que quedará como recuerdo de esta exposición, en el que tenemos textos entre otros de dos ex directores de arquitectura de Harvard: Rafael Moneo e Iñaki Ábalos y además de Juan Navarro Baldeweg, que como pintor también además de arquitecto sin duda entenderá mejor la urgencia creativa del descomunal artista que celebramos hoy. Moneo en su texto destaca el mercado de Santiago, donde Vaquero se ata los cabos y se integra en la vieja ciudad mientras que Ábalos marca algo que es ciertamente inevitable no tener en cuenta, y es, el no lo dice así, el cruce de estrellas que en un momento dado unen a un cliente a un artista a una oportunidad en un punto para que se de la epifanía del milagro artístico. Además los de Natalia Tielve y Francisco Egaña ya citados.
Y siento tener que decirlo, pero es efectivamente tan descomunal, envolvente, seductora, impetuosa, prepotente, increíble, plástica, desenvuelta, colorista, brutalista, orgullosa, descarnada/delicada, sublime su obra, que cualquier foto, grabación, libros o textos, o maravilla de exposición como lo es esta, dicen poco si lo comparamos con la visita directa de sus espacios que te erizan los pelos, sobrecogen tu cuerpo, te inflan el alma y te llevan a lo eterno de la mano, gran mano, del maestro Vaquero.
El santuario de aves en la punta de la península de la parte sur del fiordo de Ringkøbing es, con su naturaleza única, un importante punto de parada para las aves migratorias y el hogar de los conteos continuos de aves más antiguos de Europa. Anteriormente, el acceso público al área había sido muy limitado, pero a través del establecimiento de nuevas instalaciones, el área ahora se ha abierto a los visitantes. Estas instalaciones consisten en simples complementos en forma de instrumentos en el paisaje: un escondite de pájaros, una torre de vigilancia, un taller, rutas para caminar y una conversión de la estación de investigación de Tipper House. Las nuevas estructuras se imaginan como objetos independientes en el paisaje, cada uno con características distintivas y relaciones mutuas sutiles entre sí y su entorno.
Implantación
Implantación
Torre
La torre de observación de aves fue desarrollada a través de la síntesis de la geografía plana y abierta del humedal, la densa humedad en el aire, y las técnicas de una fábrica local especializada en la producción de mástiles con barras sólidas y cilíndricas de hierro. La plataforma proporciona un encuadre elevado del paisaje, un espacio que puede cerrarse para ofrecer una posición aislada para los contadores de aves, o abrirse a la vista. El sistema estructural está diseñado como un marco de sujeción que se expande en su ancho a medida que se eleva, permitiendo que una pequeña huella se ensanche gradualmente para soportar una plataforma más grande arriba. Los elementos horizontales de las planchas de hierro galvanizado se han atornillado y soldado juntos, mientras que las barras de hierro cilíndricas galvanizadas diagonales y verticales se extienden entre las placas. Las columnas y diagonales de 50 mm y 65 mm de diámetro toman fuerzas de compresión, mientras que las barras de hierro cilíndricas de 22 mm de diámetro, que forman tanto la balaustrada como los pasamanos, transfieren las fuerzas de tracción. Todos los elementos individuales, incluidos los pasamanos, escaleras, rellanos y balaustradas, forman parte del sistema estructural general de la torre.
El escondite de aves es una estructura de acero triangular que actúa como un punto de parada a lo largo de un sendero. Los visitantes pueden ingresar a una plataforma escondida elevada, desde la cual se puede ver la vida silvestre de cerca a través de una abertura estrecha. La estructura se ensambla con placas de acero corten de 6 mm, con refuerzos de borde que funcionan simultáneamente como perfiles de montaje y canaletas al mismo tiempo que conectan la estructura al terreno.
El edificio del taller se refiere a un pequeño asentamiento local de cabañas de caza improvisadas. Está construido como una estructura de marco de madera simple rigidizada y sellada por placas de aluminio de 3 mm en el interior de la estructura. El exterior está pintado y contrasta con el aluminio no tratado del interior. La luz penetra la estructura a través de tableros de fibra de vidrio translúcidos.
La Tipper House existente se ha transformado en un centro de visitantes y una estación de investigación. El edificio ahora alberga exposiciones, una sala de usos múltiples, comedor y cocina en la planta baja, una biblioteca con espacio de trabajo en el primer piso y áreas de dormitorio con alcoba en los frontones. Con el fin de conservar la calidad y el carácter del edificio existente, la renovación se realizó a través de una serie de intervenciones sutiles. Una nueva rampa externa es la única alteración visible desde el exterior, las vigas y columnas nuevas internamente reemplazan y refuerzan las paredes de carga, una mesa especialmente diseñada y bancos en áreas comunes, tuberías rojas, radiadores y medidores de viento señalan la función de investigación del edificio. Los muebles incorporados hechos de OSB, entre otras cosas, forman un nuevo archivo para el conteo de aves que tiene una calidad de textura que recuerda a las plantas en el paisaje y la paja del techo.
Descripción enviada por el equipo del proyecto. El solar en cuestión es una lengua de tierra, con una proporción largo-ancho de 6 a 1, que emerge de las rocas bañadas por el mar. En una zona de construcciones consolidadas, se ha levantado esta vivienda de dos plantas más sótano. La proporción extrema del solar, y el hecho de que las vistas estén orientadas a N, han sido los condicionantes principales del proyecto. Un muro de piedra seca de 47 metros de largo, vertebra la vivienda en sentido S-N.
Este muro, junto con la casa principal y una caseta de servicio, configuran un patio abierto donde se emplaza la piscina y las terrazas cubiertas y descubiertas. En la planta baja, la presencia del muro de piedra es dominante, y conecta el mar con la piscina. El salón y el comedor, junto con la cocina, forman un espacio continuo que se expande tanto hacia Norte como hacia Sur.
En la planta piso se crearon dos patios, generando tres cuerpos donde se distribuyen las habitaciones. Mediante estos patios interiores, se obtiene privacidad, protección solar y el disfrute de las vistas al mar. En la cara este, los vacíos generados por estos patios se alternan con los vacíos generados por las terrazas cubiertas en la planta baja, para generar un ritmo que define la propuesta volumétrica de la vivienda.
Enorme Studio y MINI, una oficina de diseño y arquitectura portátil. Cada día todos somos más conscientes de la necesidad de mejorar nuestros hábitos y la conciencia colectiva sobre nuestro entorno, pero sin embargo nuestras ciudades, gigantes e inabarcables, están en muchas ocasiones lejos de reflejar este cambio de paradigma. Es urgente que los ciudadanos contribuyamos junto con distintos agentes como diseñadores, instituciones públicas, marcas... y comencemos a repensar de manera colectiva nuevos imaginarios para nuestras ciudades, que sean capaces de regenerar el paisaje urbano de una forma cohesionada con las personas y su entorno.
Por esta razón, MINI junto con Enorme Estudio, una joven oficina de diseño especialista en espacio público y dinámicas participativas hace una original propuesta en este sentido con una instalación situada en la mítica Plaza de La Luna de Madrid. Se trata de una instalación que además de ser un punto de encuentro alrededor del diseño y la ciudad, se preocupará por el uso de energías renovables, contando con puntos de carga USB y puntos de lectura con luz por energía solar, ofreciendo también la posibilidad de cargar tus dispositivos por energía cinética generada con tu propio movimiento. Será un nuevo equipamiento habitable y eficiente que intentará trabajar los desafíos más apremiantes en la vida urbana.
MINI ya desde hace un año está presente en el Barrio de Malasaña con un espacio abierto a la creatividad, MINI Hub, que ahora se abre al exterior con esta instalación de este taller efímero titulada “Montaña en la Luna”. El interior se verá invadido por encuentros entre diseñadores que están repensando nuevas maneras de hacer ciudad: talleres de mobiliario de la ciudad bajo el título Bench a day que desarrollarán nuevos planteamientos para los bancos urbanos; charlas sobre escenografías urbanas interactivas; laboratorios de nuevo espacio público o charlas-debate en torno a cómo serán las ciudades del futuro. Todas esas actividades abordarán el diseño urbano y la ciudad como tema principal sobre el que trabajar de manera colaborativa, trans-disciplinar e inter-generacional.
Esquemas
Esquemas
Esquemas
“Montaña en la Luna” supone una magnífica oportunidad para experimentar en torno a la idea de una oficina de diseño y arquitectura portátil, a pie de calle y cercana al usuario, con el cual se deberá co-diseñar cualquier nueva propuesta de ciudad del futuro. Esta nueva aventura de MINI se enmarca dentro de su objetivo de mejorar la vida urbana, contribuir a un uso de los recursos de forma racional y potenciar el lema “Creative Use of Space” (Uso creativo del espacio) inherente al ADN de la marca.
Descripción enviada por el equipo del proyecto. El estudio de Balkrishna Doshi, Sangath, se compone de una serie de bóvedas, revestidas en mosaicos de porcelana, así como un pequeño anfiteatro cubierto de vegetación y detalles de agua en movimiento. Sangath es una combinación integral de las inquietudes arquitectónicas, desarrolladas por Doshi en sus trabajos anteriores, incluyendo desarrollo de interiores y estructuras complejas, bordes ambiguos, bóvedas y terrazas. Más sobre Sangath después del salto.
Al entrar en el complejo, uno ve inmediatamente la silueta de una bóveda deteniéndose detrás de una pared exterior, además de una pequeña vista del interior, presente a través de un pequeño corte en la superficie.
El camino gira y obliga al ocupante a alejarse del eje norte-sur y junto a las paredes elevadas del jardín. Ahora visibles en perspectiva, las bóvedas comienzan a retroceder en el fondo por encima del anfiteatro cubierto de vegetación, dejando los canales de agua y jardines en primer plano. Al pasar por los estanques reflectantes que capturan las bóvedas en aguas tranquilas, la entrada se hace evidente. Se encuentra al final de una vista en ángulo hacia las bóvedas.
La entrada principal lleva al visitante unos pocos pasos dentro de la bóveda y propone la opción de subir un tramo de escaleras en una altura de tres pisos, o pasar por un pequeño pasillo junto a la oficina de Doshi y entrar al salón principal de dibujo. Aquí el plano del techo se eleva a medida que el habitante experimenta cómo se entrelazan los espacios de altura múltiple, creándose compresión y liberación entre ellos.
La parte inferior de la bóveda en la sala de dibujo principal está terminada con un concreto texturizado que dispersó la luz natural en el espacio. Al final del pasillo se encuentra la abertura vista desde la entrada del sitio y uno recupera su sentido de lugar a lo largo del eje principal.
Sangath también expresa el deseo del arqitecto, de lograr una conexión entre la naturaleza y el usuario. La forma general exagera los detalles de la naturaleza con sus montículos rodantes, espacios en forma de cueva, terrazas, canales de agua lúdicos y superficies reflectantes. El agua de las lluvias, se canaliza a través del sitio por las resbaladizas bóvedas redondas y los abrevaderos.
Los espacios interiores hundidos están aislados por arcilla dentro de la estructura. El calor del sol se reduce por los montículos de hierba y el mosaico blanco reflectante de porcelana que cubre cada bóveda. La luz natural también se filtra en los espacios interiores durante el día, mientras que la luna se refleja en los estanques y en los mosaicos de porcelana de la noche.
Junto con las conexiones naturales, Sangath mantiene conexiones con la cultura de la India. El diseño se asemeja a la forma en que un templo desarrolla una serie de etapas en una plataforma final, mientras que la forma imita vagamente la audacia de una estupa.
Otras referencias a estilos modernos también son evidentes, por ejemplo en la piscina con forma de oreja a lo Le Corbusier; el anfiteatro que se parece a los de Aalto y Wright; Mosaicos de porcelana rota, tipo Gaudi; y una fuente de agua similar a la del Instituto Salk de Kahn.
Ubicación: Rio Panuco 166, Cuauhtémoc, 06500 Ciudad de México, CDMX, México
Arquitecta Autora: Regina Galvanduque
Arquitectos Colaboradores: Elvia del Rio, Andres Mier y Teran
Equipo De Diseño: Arturo Osorio, Alberto Paulin, Javier Nunez, Aliare
Área: 530.0 m2
Año Proyecto: 2018
Diseno Industrial: MYT Diseno
Pailerias: Luis Pedroza
Carpinterias: Juan Carlos Perez
Cortesía de GLVDK & Javier Nunez
Descripción enviada por el equipo del proyecto. Ryo kan MX nace del análisis contextual del barrio Cuauhtémoc que hizo GLVDK, al darse cuenta de la densidad de la comunidad Asiática en CDMX y la necesidad de crear una nueva experiencia que celebre la cultura Japonesa, la cultura Mexicana y sus tradiciones.
Ryo kan MX es un urban lodge japamex innovadora que hace énfasis en los paralelismos culturales de ambos países y que complementa la experiencia de Japón en México debido a la gentrificación de las culturas Japonesas y Mexicana que viene en auge en la escena global con mucha fuerza desde los años ochenta.
Cortesía de GLVDK & Javier Nunez
En el diseño se tomaron en cuenta varios factores:
A. Elementos importantes de la arquitectura japonesa y mexicana (Paralelismos). Ryo kan MX cuenta con 10 habitaciones diseñadas con técnicas vernáculas Japonesas y Mexicanas para crear un balance entre ambas culturas.
• Puertas corredizas: En Japón: Shoji / def. (Sho - Separar , ji - una parte), son puertas corredizas de madera con papel de arroz, que generan las transiciones entre los espacios dentro de los ryokanes y acentúan el respeto cultural que tienen los Japoneses entre el interior y el exterior. Esto se expresa, por ejemplo, en el acto de venir de la calle con zapato y desnudar el pie para entrar al área de tatamis. En paralelo, en México, en la casa Maya se utiliza huano o zacate, que en algunos casos llega a cubrir la entrada principal de la vivienda, que según dicen algunos obligan a los visitantes a inclinar su cabeza en señal de respeto para quienes habitan la vivienda.
• Tatamis - Petates (Dormir en el piso)
Planta Baja
• Las camas occidentales se diseñaron tomando como base la configuración de acomodo de los tatamis, con una volumetría de madera con bejuco, inspirada en el “halabche" o trenzado de bejucos típicos de la construcción de las viviendas mayas, que junto con los coloches o varas verticales forman un emparrillado anudado con fibras vegetales que al ser posteriormente cubierto con zacate dan forma a los muros o pak lum. Esto permite crear una barrera térmica conservando la frescura al interior de la viviendas mayas.
• Onsen - Aguas termales; aquí el paralelismo celebra la riqueza de dos países ricos en biodiversidad con culturas que respetan la naturaleza.
• Arte - Reutilizar material (mármol, piedras) y transformarlo en volumetrías simples con inspiración japonesa.
• Paneles Japoneses - Mantas jaspeadas con impresos de fotografías de paisajes japoneses para crear una sensación visual de estar en un osen en cada habitación.
• Cuerdas náuticas: En la triple altura que tiene el área central del edificio, se aprovechó para generar una instalación de cuerdas con una repetición que da la sensación del infinito, inspirada en los bosques de bambú de KYOTO.
Sección áreas comunes
B. Selección de Materiales-acabados: Paralelismos Japamex en acabados arquitectónicos con una sobriedad característica de los materiales en crudo y handmade, con la idea de generar un espacio muy neutro que se convirtiera en un oasis en medio del caos de la CDMX, un espacio que alberga todos los elementos zen, que despierta todos los sentidos del huésped y lo invita a desconectarse de la vida exterior.
• Travertinos-crudo • Concretos-handmade • Cerámicas- handmade • Terrazos- custom handmade • Textiles (Cuerdas, mantas, lanas, tatamis)- handmade • Maderas naturales-handmade mano de obra mexicana custom design • Bejucos-handmade
Cortesía de GLVDK & Javier Nunez
C. Branding: Inspirado en la experiencia de los paisajes y la naturaleza japonesa donde se encuentran los RYOKANES.
• Señaletica – flow • Imágenes de naturaleza en aplicaciones: postales, paneles japoneses, animaciones proyectadas en muros.
D. Tableware: • Con la inspiración de los paisajes monocromáticos se diseño toda la vajilla Con Anfora en Puebla, MX
Cortesía de GLVDK & Javier Nunez
E. Yukatas: • Se elaboraron jukatas japonesas con mantas mexicanas hechas a mano.
F. Mobiliario: • Andrés Mier y Terán- MYT Diseno en colaboración con GLVDK diseñaron una serie de mobiliario inspirada en Japón con materiales mexicanos.
Cortesía de GLVDK & Javier Nunez
G. Accesorizacion: • Escogimos piezas de artesanos mexicanos con ayuda de Onora casa, disenamos los graficos para la vajilla producida por ANFORA en Puebla, utilizamos cobijas de lana de Tlaxcala. • Macetas de concreto con bonsai de Studio Floga • Las amenidades las hicimos en colaboracion con Yucatan Senses.
Descripción enviada por el equipo del proyecto. Se trata de una casa que se reconoce en la genética Miesiana, en la fascinación por la Casa Kauffmann de Richard Neutra, y en las tipologías de las casas de campo tanto peruanas como de la pampa argentina: una galería, un patio, los salones y los dormitorios, con espacios contiguos y francos sin interconexiones.
La casa está hecha de acero y cristal, acompañada de unos muros anchos de concreto tipo tapiales, que juegan al contrapunto sin tocarla. Sus techos, ligeros, enmarcan el paisaje lejano de árboles y montañas.
El trazado de esta casa, de líneas hechas como surcos de siembra, le genera diferentes vistas, direcciones y paisajes a cada espacio interior.
Elevación principal
Se forman 3 vagones que se intersectan: el primer volumen contiene el área social, con vistas hacia el jardín principal; el segundo volumen contiene el dormitorio principal con vistas a un jardín japonés, ya que el dueño de esta casa vivió mucho tiempo en Japón; y el tercer volumen contiene los dormitorios secundarios y área de servicio, que miran a un jardín posterior.
Sección 4-4
Se tiene una edificación en forma de media luna adicional a los volúmenes de la casa. En ella se desarrolla la vivienda del guardián y su fachada oeste está compuesta por gaviones para permitir la visual protegiéndola del poniente.
Mediante el paisajismo se trabajó la protección visual y térmica en el ingreso a la casa, pues se plantaron árboles mediano-grandes hacia el lado sur, de modo que se generan sombras y filtros naturales hacia el estacionamiento.
Se contemplan distintos tipos de vegetación que refrescan térmicamente los jardines y espacios de estadía de la casa, como el jacarandá, los olivos y los molles serranos.
Descripción enviada por el equipo del proyecto. La nueva instalación de estudio de escultura para el Departamento de Arte de la Universidad de Arkansas es el primer edificio definitorio de un nuevo distrito remoto del campus ubicado en un bloque industrial en bruto de 1.5 hectáreas en el sur de Fayetteville. En una asociación de diseño entre modus studio y el dorado inc, una estructura de almacén existente se transforma y se expande en una forma descarnada y simple, pero que alberga una programación compleja y técnica para el departamento de arte. El marco existente se hace eficiente al introducir un segundo piso dentro del volumen. La paleta brillante, el uso resuelto de la luz natural y los espacios altamente sofisticados para la elaboración de diversos medios se subrayan mediante el uso simple de la planta y el corte para interconectar a los estudiantes, la facultad y el público entre los estudios, las galerías y los porches exteriores.
El programa de 3,000 metros cuadrados alberga un espacio de estudio abierto y bien iluminado, pasillos generosos que brindan un amplio espacio de exhibición y crítica, y paredes diseñadas para ser duraderas en el alojamiento de la presentación del trabajo de los estudiantes. La iluminación es eficiente y flexible. Los entornos están diseñados a propósito para ser neutrales y servir de telón de fondo para el trabajo que se realiza. El proyecto reside en el sendero Tsa La Gi, parte de la red verde recientemente ampliada de la ciudad, que une las comunidades del noroeste de Arkansas. Estar en el camino ofrece la oportunidad de conectar el Departamento de Arte, y eventualmente otros departamentos en el Distrito, con la comunidad más amplia de Fayetteville en formas no tradicionales.
Como el proyecto pionero en el nuevo distrito, el diseño del edificio y el sitio trabajan en colaboración para permitir el acceso adecuado para la manipulación de materiales, gestionar la hidrología, superar las condiciones de potencial de desarrollo, y celebrar la comunidad emergente de arte y diseño. El proyecto es una oportunidad de conectarse con actividades culturales que tienen lugar fuera de la universidad, exponiendo a los estudiantes y profesores a un conjunto único de oportunidades de aprendizaje. A través de un proceso de renovación selectiva y una cuidadosa adición, el resultado es una arquitectura que trasciende sus humildes orígenes, marcando el tono para un nuevo y ambicioso distrito académico más allá del campus tradicional.
Ubicación: Yuzhnaya Ulitsa, Gaikodzor, Krasnodarskiy kray, Rusia
Arquitectos A Cargo: Nikolai Pereslegin, Sergei Pereslegin, Georgy Trofimov (architects, partners of Kleinewelt Architekten); Maria Zubkova; Oksana Novoskoltseva; Ksenia Vorobyeva
Descripción por los arquitectos. La Bodega Gai-Kodzor ubicada en Krasnodarsky Krai, Rusia, ha sido finalizada. El diseñador general del edificio es la oficina de arquitectura Kleinewelt Architekten. Los 1.500 metros cuadrados del complejo multifuncional se encuentran a medio camino entre Anapa y Novorossiysk, el lugar más soleado de Rusia, a solo 5 kilómetros del mar. Además de ser una instalación de producción, el proyecto combina funciones de museos, educación, hospitalidad y entretenimiento. El proyecto es verdaderamente innovador. Los tradicionales productores de vino en España, Francia e Italia han utilizado la arquitectura moderna como un atractivo.
La construcción de este tipo de edificios atrajo a Frank Gehry. Norman Foster, Santiago Calatrava, Renzo Piano, Richard Rogers, Christian de Portzamparc y los ganadores actuales del premio de arquitectura más prestigioso, el premio Pritzker, RCR Architects.
Cabe señalar que, a excepción de algunos casos excepcionales, la arquitectura de las bodegas "estrella" no tienden a promocionarse, sino que se esfuerza por resaltar el paisaje circundante de los viñedos y las prácticas de producción locales. A medida que la construcción avanza, la bodega se complementará con un museo, mini-hoteles y cubiertas de observación.
El equipo de Kleinewelt Architekten ha decidido adoptar todas las funciones típicas de una instalación pública. "El vino Gai-Kodzor se sirve en cualquier restaurante vecino, por lo que era necesario tener una idea que atrajera a los visitantes", dice Nikolai Pereslegin. "No es solo una bodega, debería ser un centro cultural con una sala de conferencias, cafetería, plataforma de observación y, prospectivamente, un pequeño hotel. Este enfoque versátil es inusual en Europa, por no hablar de Rusia".
Al mismo tiempo, de acuerdo con las mejores tradiciones europeas, la bodega está integrada en el entorno natural. "Por supuesto, una de las principales tareas fue retener el magnífico relieve que geológicamente se había formado aquí", comenta Georgy Trofimov, "El medio ambiente requiere tanta atención como la ciudad. A veces incluso más". Por lo tanto, la bodega proporciona una especie de "marco" para el entorno: las columnas y las estructuras "arreglan" ciertas vistas de aspecto, al igual que el lente de una cámara. Como resultado, los pabellones en la cima inevitablemente llaman la atención, mientras se disuelven suavemente en el aire del paisaje casi toscano, besados por el sol y semitransparentes. Esto es aún más sorprendente si se tiene en cuenta que los autores han realizado su sueño de construir una estructura donde el concreto expuesto se utiliza como material de acabado y de carga. ¡El edificio resultante es "verde" en todos los sentidos!
Además de estar en armonía con el paisaje circundante, el complejo tiene un oasis en su centro, pues se compone de raras especies de flora que han proporcionado la base de las decoraciones ornamentales utilizadas para crear sombra en su interior, según explica Nikolai:
Las uvas disfrutan de favorables condiciones en Gai-Kodzor, pues en la localidad existen plantas plantas de otro tipo pero en menor cantidad (...) Escaneamos las flores del sitio e integramos sus patrones en los revestimientos de acero corten. Los patrones ornamentales se proyectarán a las paredes del pabellón. Según la geografía de nuestro país, Gai-Kodzor es el lugar que tiene la temporada más larga de sol, así que decidimos usar sombras en el interior".
El diseño de la bodega cumple con todos los requisitos actuales de una arquitectura sostenible y respetuosa con el medio ambiente: los generadores eólicos, las baterías solares y otras tecnologías ayudan a ahorrar electricidad. El nuevo edificio es una especie de "museo" de tecnologías innovadoras y tradicionales. Cada habitación está dedicada a un tipo diferente de vino. "Al moverse por la bodega, uno puede ver todo el proceso de producción", promete Sergei Pereslegin. "El edificio ya tiene el equipo de procesamiento instalado y se ve absolutamente fantástico".
Descripción enviada por el equipo del proyecto. En el suburbio de París, ubicado en una zona de riesgo de inundación, este proyecto de 61 unidades de vivienda social aporta al objetivo de la Zona de Desarrollo Urbano (ZAC) de Confluencias Ivry para revitalizar la parte sur de este antiguo distrito industrial.
Fachada
Para garantizar una transición entre las escalas de las diferentes situaciones urbanas, el proyecto forma un entorno construido homogéneo compuesto por una serie de edificios que van de dos a siete pisos de altura. Este plan de altura escalonada va de la mano con una consideración de la gama de usos y tipologías, formas urbanas y modos de vida que forman una ciudad.
Los edificios en la esquina de la calle son viviendas colectivas y tienen una amplia vista sobre el vecindario, pero luego la altura gradualmente se desvía hacia la pequeña plaza en el lado sur, dividiéndose para formar un entorno intermedio de casas superpuestas. Esta tipología combina la necesidad de compacidad con la calidad de los hogares individuales o la vivienda colectiva a pequeña escala que refleja el pasado del barrio y cómo la gente siempre ha vivido aquí.
Las casas y pisos se elevan por encima del nivel del suelo, ya que el sitio está cubierto por las normas de prevención de inundaciones. Se llega a ellos por medio de un camino que pasa a través de las copas de los árboles de un parque al nivel del suelo, ofreciendo a los residentes una transición suave entre espacios privados, colectivos y públicos junto con una vista de todo el sitio.
Artistic add-on, Atelier YokYok pintó una anamorfosis en los porches, estableciendo un diálogo gráfico y lúdico con la arquitectura y el grupo escolar cercano.
Balkrishna Doshi, también conocido como B. V. Doshi, a pesar de tener una extensa producción, es un nombre poco conocido en el mundo occidental. Dirigido por Premjit Ramachandran, el documental "Doshi" permite que el espectador se aproxime al punto de vista de este importante arquitecto indio, a través de sus pensamientos, conociendo parte de su conjunto de obras.
La película, en inglés, fue filmada en un estilo franco de conversación, revelando un ser humano original y creativo que, incluso con edad avanzada, sigue apasionado tanto por la arquitectura, como por la vida y el aprendizaje.
La película se convierte en una mesa redonda con Doshi, sus exalumnos, sus contemporáneos y hasta con miembros de su familia, todo en el contexto de su arquitectura. La cámara sigue a su protagonista a través de espacios diseñados por él, mientras narra, recuerda y explica sus procesos de creación. También revela como hace de su filosofía una parte intrínseca de su propia vida.
A continuación, puedes ver todos los capítulos del filme y ver un breve resumo de cada uno de ellos.
Ocho meses con aceitunas y queso Capítulo 1
El filme comienza abordando la influencia de Doshi en la creación de la Escuela de Arquitectura, una de las mejores en la India, llamado Centro de Planeamiento y Tecnología Ambiental (CEPT, por su sigla en inglés). Muestra además el proyecto del Instituto de Indología (1961) en Ahmedabad. En ese proyecto en particular, Doshi comienza a explorar estrategias bioclimáticas, trabajando con el clima indio a su favor. Tiempo atrás, Doshi recuerda los tiempos difíciles en la inicio de su trayectoria, tanto en India, con poco dinero, y en Francia cuando trabajó con Le Corbusier, donde dijo que comí pan con queso y aceitunas por ocho meses.
No soy arquitecto... para mí es una búsqueda Capítulo 2
Doshi explica que su trabajo se centra en la humildad de observar, en una eterna búsqueda y aprendizaje de situaciones y memorias, que está claramente reflejada en sus obras.
El plano indio no está centrado Capítulo 3
En este capítulo, Doshi retrata al indio como alguien que posee una mente ingeniosa que siempre busca por más. Es una cultura que tiene muchas formas de usar lo mismo, ya sea vestidos, música o arquitectura.
Tú estás representando a Dios Capítulo 4
Doshi pide que los arquitectos consideren que todos los edificios sean un templo para Dios, incluso sea una casa pequeña. De esta forma, no es posible pensar en la arquitectura como una realización miserable. Después de este discurso, es posible conocer algunos proyectos habitacionales realizados por el arquitecto.
El resultado final no es tan emocionante como el proceso Capítulo 5
De acuerdo con la filosofía india, el proceso viene en primer lugar y no es el resultado final, que jamás será tan emocionante como aquel. En este capítulo la habilidad de inventar es retratada como un desafío y se demuestra como un diseño final surge de un largo proceso que, al ser una búsqueda de un lenguaje distinto, resultará de una intensa investigación —ya sea algo nuevo o tradicional— con tal de revelar nuevas inspiraciones.
La arquitectura es una cuestión de transformación Capítulo 6
Aquí Doshi nos demuestra cómo la arquitectura es una cuestión de transformación de situaciones y condiciones efímeras. No se trata de una decisión en el papel, o en el programa, o en materiales o en el confort climático, sino en el comportamiento y actitudes de las personas y cómo esto se une. "La arquitectura sirve para abrir puertas, no solo una, sino varias", dice Doshi.
El ser humano, por naturaleza, es un animal cálido y compasivo Capítulo 7
Las raíces son fundamentales. En este capítulo es posible ver un lado más personal de Doshi a través de su visita a la Casa Kamala, donde los detalles arquitectónicos se confunden con los detalles familiares, una vez que ambos se adaptan al tiempo y crean una consistencia.
Al final, ¿cuál es nuestra herencia? Capítulo 8
La Humanidad tiene mucho que perder sin inspiración social ni cultural en lo público y lo comunitario. En este capítulo Doshi apunta que reconocer nuestras herencias —de lo que ya se nos ha dado a través de los patrimonios construidos—, pensar en el futuro a través del pasado, nuevas ideas de escala y diferentes elaboraciones son grandes responsabilidades de los arquitectos.
B.V. Doshi ha sido nombrado ganador del Premio Pritzker 2018, el galardón más importante de nuestra profesión. Durante los últimos 70 años, Doshi ha moldeado su discurso de la arquitectura y el diseño urbano con una fuerte influencia de su India natal, a través de proyectos que incluyen residencias privadas, escuelas, bancos, teatros y viviendas para personas de bajos ingresos. Presentamos siete ejemplos de este trabajo, que ejemplifican el respeto de Doshi por la cultura oriental y su deseo de contribuir a su país a través de diseños auténticos, que mejoran la calidad de vida de las personas.
Sangath es el propio estudio de arquitectura de Doshi, y ha sido considerado el edificio que encapsula por completo su enfoque. Cuenta con una serie de bóvedas revestidas de mosaicos de porcelana y un anfiteatro en terrazas con detalles de agua en movimiento. Sangath representa la conexión entre la naturaleza y el individuo.
Vivienda Colectiva para Life Insurance Corporation
Life Insurance Corporation Housing. Image Courtesy of VSF
Este proyecto de vivienda para Life Insurance Corporation, en Ahmedabad, fue diseñado en 1973 y se compone de 324 unidades en un esquema de terrazas dúplex. Fue diseñado para presentar un sentido claro del orden y combinar alta densidad y baja altura: el resultado es una tradicional fila de casas con diferentes unidades mezcladas.
Explorando su interés por el brutalismo, Tagore Memorial Hall es uno de los diseños más notables de Doshi. Completado en 1966, este anfiteatro de 700 asientos se compone de muros de hormigón armado que se rompen mediante placas plegadas, creando planos contrastantes de luz y sombra.
Uno de los diseños más experimentales de Doshi, esta galería de arte en forma de cueva exhibe el trabajo del artista Maqbool Fida Husain. Al igual que su estudio Sangath, las estructuras abovedadas están cubiertas de mosaicos. Las obras de arte se han puesto directamente sobre las paredes en el interior y las esculturas de metal descansan contra las columnas de forma irregular.
Ganador del Premio Aga Khan de Arquitectura en 1996, el conjunto de viviendas Aranya fue diseñado para establecer una "sociedad sostenible", permitiendo la convivencia de personas y familias de diferentes clases económicas. Situado en un sitio rectilíneo de 86 hectáreas, este complejo de viviendas tiene capacidad para más de 80,000 personas en 6.500 viviendas.
Completado en 1966, el Centro para la Planificación y Tecnología Ambiental está diseñado para experimentar el equilibrio entre los humanos y la naturaleza, con una serie de edificios unidos por patios ajardinados. Utiliza un plan libre, planificado cuidadosamente para dirigir la luz solar hacia los recintos interiores. Los estudiantes participaron activamente en el diseño, con el objetivo de continuar promoviendo el aprendizaje colaborativo en todas las disciplinas.
Finalizado en 1983, el Instituto Indio de Administración en Bangalore explora el concepto de diseño de aulas interiores y exteriores. El campus IIMB fue concebido como un lugar para ser habitado, como un lugar para facilitar el curso de la interacción humana y refleja el sentido perfecto de la escala, la proporción y la luz. En relación a este proyecto, Doshi dijo que "un campus debería estar siempre serpenteando y conectando".
Le Corbusier y Balkrishna Doshi. Fotografía cortesía de Balkrishna Doshi.
B.V. Doshi, uno de los practicantes más famosos de la arquitectura india moderna, nació en Pune, India, en 1927. Casi 90 años después, el jurado eligió a Doshi como el Premio Pritzker 2018. Conoce la historia de B.V. Doshi, incluyendo su estrecha relación con el legendario arquitecto Le Corbusier, en esta lista de datos relevantes.
Sheth Hutheesinh Temple por Kalyan Shah usada bajo CC BY-SA 3.0
1) La oficina de Doshi, Vastu Shilpa, se dio el trabajo de hacer una lista de sitios de arquitectura "imprescindibles" en la ciudad de Ahmedabad, para que los visitantes de la oficina pudieran conocer la ciudad y comprender el contexto en el que Doshi diseña sus edificios.
2) De 1951 a 1955, B.V. Doshi trabajó directamente para Le Corbusier como aprendiz en su taller de París. Hoy en día, en la entrada de su cabaña, Doshi guarda un retrato del arquitecto suizo junto a las representaciones de la diosa Durga y el Señor Ganesha.
Balkrishna Doshi. Cortesía de VSF
3) Le Corbusier se comunicaba con Doshi en un inglés carente. Pero más tarde el arquitecto indio recordó que: "Cuando no conoces el idioma, la conversación se vuelve más visual y espacial".
4) Obtuvo su primer trabajo no remunerado con Le Corbusier basado en una evaluación poco tradicional: su letra. Doshi le dijo al India Times en 2017 que no se le pidió que presentara un portafolio, sino que "apliqué con mi propia letra".
5) Visitó América por primera vez con una beca de la Fundación Graham en 1959.
6) Doshi participó significativamente en el diseño de Chandigarh, la nueva capital del estado de Punjab (Chandigarh ahora funge como capital estatal conjunta para Punjab y Haryana). Le asignaron la tarea de diseñar viviendas para los miles de humildes servidores del gobierno. Esto dio paso a su continuo interés en producir los mejores espacios comunitarios sencillos y de bajo costo.
Balkrishna V. Doshi con estudiantes de la Escuela de Arquitectura, CEPT , Ahmedabad, c . 1970s.. Imagen vía India: Modern Architectures in History de Peter Scriver, Amit Srivastava
7) En la década de 1960, Doshi abrió The School of Architecture en Ahmedabad con un plan de estudios alternativo, que a partir de 1972 se conoció como el Centro de Planificación Ambiental y Tecnología (CEPT). ¡Louis Kahn fue miembro de la facultad desde sus inicios!
8) Una mirada más cercana al aspecto estructural de algunas de las obras de Doshi revelan el uso práctico y generalizado de los muros de carga: estas gruesas paredes sirven como masas térmicas perfectas para el cálido clima de la India.
9) De 1967 a 1971 fue miembro del colectivo internacional Team 10.
10) Doshi colaboró con Moshe Safdie, el arquitecto iraní Nader Ardalan y el profesor de Harvard Josep Lluis Sert para escribir la Declaración de Derechos Sobre el Hábitat, presentada por el Gobierno de Irán en la conferencia ONU Habitat sobre Asentamientos Humanos en Vancouver en 1976.
Estudio Sangath Architects. Cortesía de VSF
11) El estudio que diseñó en 1979 - 81 muestra los esfuerzos de Doshi por combinar las tendencias modernas con los métodos tradicionales de la India. Para Sangath utilizó una tradición local de mosaicos hechos con baldosas de cerámica recicladas.
Scriver, Peter y Amit Srivastava. India. Reaktion Books, 2015.
Doshi, BV. “Ultimate Design Hero: Le Corbusier.” Elle Decor India, Dec. 2017- Jan. 2018.
Steele, James y Balkrishna V. Doshi. The Complete Architecture of Balkrishna Doshi: Rethinking Modernism for the Developing World. Thames and Hudson, 1998.
Steele, James y Balkrishna V. Doshi. The Complete Architecture of Balkrishna Doshi: Rethinking Modernism for the Developing World. Thames and Hudson, 1998.
El jurado del Premio Pritzker ha elegido al arquitecto indio Balkrishna Doshi, también conocido como B.V. Doshi o Doshi, como ganador del Premio Pritzker 2018. Siendo aprendiz y colaborador de Le Corbusier y Louis Kahn, y con una carrera activa de más de 70 años, la arquitectura poética de Doshi se basa en influencias culturales orientales, creando una producción que "abarca todas las clases socioeconómicas, en un amplio espectro de tipologías, desde los años 50", según el acta del jurado. Doshi se convierte así en el primer arquitecto indio en recibir el máximo galardón de la Arquitectura.
Cortesía de VSF
'Mis obras son una extensión de mi vida, mi filosofía y mis sueños, intentando crear el tesoro del espíritu arquitectónico. Le debo este prestigioso premio a mi gurú, Le Corbusier. Sus enseñanzas me llevaron a cuestionar la identidad y me obligaron a descubrir una nueva expresión contemporánea, adoptada regionalmente, para un hábitat holístico sostenible', comenta Doshi.
Nacido en Pune, India en 1927, Doshi comenzó sus estudios de arquitectura en el año de la independencia de su país, en 1947. Después de un período en Londres, se trasladó a Francia para trabajar con Le Corbusier, y de allí regresó a la India con el fin de supervisar el trabajo en los planes de Le Corbusier para Chandigarh, y en los proyectos de Le Corbusier en Ahmedabad, como el 'Edificio de la Asociación de Propietarios de Molinos' (1954) y la 'Casa Shodhan' (1956). Doshi también trabajó más tarde con Louis Kahn en el Indian Institute of Management en Ahmedabad, comenzando en 1962.
Cortesía de VSF
Desde que fundó su estudio Vastushilpa (actualmente conocido como Vastushilpa Consultants) en 1956, Doshi ha combinado las lecciones aprendidas de estos dos maestros modernos con una alta sensibilidad local. Este regionalismo crítico sintetiza las formas escultóricas en hormigón y ladrillo de sus mentores, con morfologías urbanas y diseños arquitectónicos reconocibles de la India. Una de las manifestaciones más claras de este estilo es quizás su propio estudio, conocido como Sangath, donde las bóvedas de cañón en hormigón se combinan con jardines, espacios comunes hundidos y elementos de agua para mitigar el calor. En 1978, Doshi fundó la Fundación Vastushilpa para Estudios e Investigación en Diseño Ambiental, con el fin de desarrollar enfoques de planificación y diseño adecuados al contexto cultural indio. Hoy en día, la fundación sirve como un enlace crucial entre la academia y la profesión de arquitecto.
En más de 100 proyectos completados durante su carrera, Doshi también ha trabajado en una serie de desarrollos de viviendas de bajo costo. Después de completar el primero en la década de 1950, declaró: "debería prestar juramento y recordarlo durante toda mi vida: proporcionar vivienda adecuada a la clase más baja". La apoteosis de este juramento fue tal vez el desarrollo del proyecto de Aranya, en Indore. Completada en 1989, esta red de casas, patios y caminos internos ofrece alojamiento a más de 80.000 personas, desde familias de ingresos bajos a medios, ganando el Premio Aga Khan de Arquitectura de 1993-1995.
Cortesía de VSF
Acta del Jurado
El arquitecto indio Balkrishna Doshi ha exhibido continuamente los objetivos del Premio Pritzker de Arquitectura al más alto nivel. Ha practicado el arte de la arquitectura, contribuyendo sustancialmente a la humanidad, durante más de 60 años. Al otorgarle el galardón de este año, el jurado del Premio Pritzker reconoce su excepcional arquitectura reflejada en más de cien edificios construidos; su compromiso y su dedicación a su país y las comunidades a las que ha servido; su influencia como docente y el ejemplo sobresaliente que ha establecido para profesionales y estudiantes de todo el mundo a lo largo de su carrera.
Doshi, como lo llaman cariñosamente sus más cercanos, trabajó con dos maestros del siglo XX: Le Corbusier y Louis Kahn. Sin duda, las primeras obras de Doshi fueron influenciadas por estos arquitectos, como se puede ver en sus formas robustas en hormigón. Sin embargo, Doshi llevó el lenguaje de sus edificios más allá de estos primeros modelos. Comprendiendo y apreciando las profundas tradiciones de la arquitectura de la India, unió la prefabricación y la artesanía local y desarrolló un vocabulario en armonía con la historia, la cultura, las tradiciones locales y los tiempos cambiantes de su país de origen.
Con los años, Balkrishna Doshi ha creado siempre una arquitectura seria, nunca llamativa o enfocada en las tendencias. Con un profundo sentido de la responsabilidad, y un deseo de contribuir a su país y su gente a través de una arquitectura auténtica y de alta calidad, ha creado proyectos públicos, instituciones educativas y culturales, y viviendas para clientes privados, entre otros.
Realizó su primer proyecto de vivienda para personas de bajos ingresos en la década de 1950. Al respecto, Doshi declaró en 1954: "parece que debería prestar juramento y recordarlo durante toda mi vida: proporcionar vivienda adecuada a la clase más baja". Cumplió con este juramento personal en proyectos como la 'Vivienda de Bajo Costo Aranya' (1989), en Indore, en el centro-oeste de la India, y en la 'Vivienda Cooperativa de Ingresos Medios' (1982), en Ahmedabad, India, entre muchos otros. La vivienda como refugio no es más que un aspecto en estos proyectos. Toda la planificación de la comunidad, la escala, la creación de espacios públicos, semipúblicos y privados, son un testimonio de su comprensión de cómo funcionan las ciudades y la importancia del diseño urbano.
Cortesía de VSF
Doshi es muy consciente del contexto en el que se ubican sus obras. Sus soluciones toman en consideración las dimensiones sociales, ambientales y económicas de manera que su arquitectura está totalmente comprometida con la sustentabilidad. El uso de patios y pasillos cubiertos, como en el caso de la Escuela de Arquitectura (1966, ahora parte del CEPT); la Junta de Electricidad de Madhya Pradesh en Jabalpur (1979) o el Instituto de Administración de India en Bangalore (1992), Doshi ha creado espacios protegidos del sol y que atrapan la brisa, proporcionando una sensación de disfrute y confort dentro de los edificios.
En el propio estudio del arquitecto, llamado Sangath (Ahmedabad, India, 1980), podemos ver las sobresalientes cualidades del enfoque con el que Balkrishna Doshi entiende la arquitectura. La palabra Sangath significa “moverse juntos” o “acompañar” en sánscrito. Como un adjetivo, encarna lo que es apropiado y relevante. Las estructuras son semi enterradas y están totalmente integradas con las características naturales del sitio. Hay fluidez entre las terrazas, espejos de agua, montículos y bóvedas, los cuales son elementos formales distinguidos. Hay variedad y riqueza en los espacios interiores que tienen distintas cualidades lumínicas, distintas formas y usos pero que al mismo tiempo que se unifican mediante el uso de concreto. Doshi ha logrado crear equilibrio y paz entre todos los componentes - materiales e inmateriales- el cual resulta en un total que es mucho más que la suma de las partes.
Balkrishna Doshi ha demostrado constantemente que toda buena arquitectura y planificación urbana no sólo debe unir propósito y estructura sino que debe tomar en cuenta el clima, el sitio, técnicas y artesanías junto con un profundo entendimiento y apreciación por el contexto en su sentido más amplio. Los proyectos deben ir más allá de lo funcional para conectarse con el espíritu humano mediante fundamentos poéticos y filosóficos. Por sus numerosas contribuciones como arquitecto, urbanista y docente, por su firme ejemplo de integridad y sus incansables contribuciones a la India y más allá, el jurado del Premio de Arquitectura Pritzker elige a Balkrishna Doshi como el ganador del premio Pritzker 2018.
Glenn Murcutt (Chair): Arquitecto y Premio Pritzker 2002. Sydney, Australia.
Stephen Breyer: Corte Suprema de los Estados Unidos. Washington, DC.
André Aranha Corrêa do Lago: Embajador de Brasil en Japón.
Lord Peter Palumbo: Patrón Arquitectónico, Presidente Emérito de los Fideicomisarios, Serpentine Galleries; Ex presidente del Consejo de las Artes de Gran Bretaña. Londres, Inglaterra.
Richard Rogers: Arquitecto y Premio Pritzker 2007. Londres, Inglaterra.
Benedetta Tagliabue: Arquitecta y Educadora. Barcelona, España.
Ratan N. Tata: Presidente Emérito de Tata Sons, Compañía Holding del Grupo Tata. Mumbai, India.
B.V. Doshi, uno de los practicantes más famosos de la arquitectura india moderna, nació en Pune, India, en 1927. Casi 90 años después, el jurado eligió a Doshi como el Premio Pritzker 2018. Conoce la historia de B.V. Doshi, incluyendo su estrecha relación con el legendario arquitecto Le Corbusier, en esta lista de datos relevantes.
B.V. Doshi ha sido nombrado ganador del Premio Pritzker 2018, el galardón más importante de nuestra profesión. Durante los últimos 70 años, Doshi ha moldeado su discurso de la arquitectura y el diseño urbano con una fuerte influencia de su India natal, a través de proyectos que incluyen residencias privadas, escuelas, bancos, teatros y viviendas para personas de bajos ingresos.
Balkrishna Doshi, también conocido como B. V. Doshi, a pesar de tener una extensa producción, es un nombre poco conocido en el mundo occidental. Dirigido por Premjit Ramachandran, el documental "Doshi" permite que el espectador se aproxime al punto de vista de este importante arquitecto indio, a través de sus pensamientos, conociendo parte de su conjunto de obras.
Eva Franch participó en la pasada Bienal de Arquitectura de Chile, invitada por la organización con motivo de la versión en Valparaíso de uno de los proyectos más populares de Storefront, "Cartas al Alcalde". En aquella ocasión, Franch entregó 55 cartas escritas por arquitectos chilenos personalmente al alcalde de Valparaíso, Jorge Sharp. En ellas se plasmaban, dibujos, ideas y demandas por mayor participación y mejoras en la ciudad. Además, Franch aprovechó la instancia para compartir con la audiencia los principales hitos de su gestión a la cabeza del principal espacio para el Arte y la Arquitectura en Nueva York:
Una galería de 90 mts2 que busca disolver los limites entre interior y exterior, entre la arquitectura y la política, entre el caminante y el artista, entre el arquitecto y el poeta. Donde las etiquetas que la sociedad nos da, intentan borrarse para producir nuevas formas.
Franch es categórica en afirmar que los arquitectos hemos vivido encerrados en un espacio disciplinar, que a la larga, nos ha disciplinado de tal manera que hemos pasado a ser irrelevantes para la sociedad. ¿Cómo cambiamos esa percepción? Franch plantea tres tipos de arquitectos que debieran conjugar sus habilidades en un espacio dialéctico para devolvernos la voz en el debate público:
Cortesía de Bienal de Arquitectura de Chile "Diálogos Impostergables"
1. Arquitecto Facilitador: Individuos que realmente escuchan y que intentan producir colectividades. En ese espacio de facilitar, a veces sólo se perpetúan las condiciones existentes y los problemas, incluso cuando por detrás estén las mejores intenciones.
2. Arquitecto Iconógrafo: Intenta producir nuevas estéticas. Nuevas formas de mirar el mundo y representarlo, pero produciendo al fin y al cabo, formas extremadamente banales.
3. Arquitecto Agitador: Está en contra de todos y siempre esta buscando algo problemático, pero es incapaz de producir una solución de cualquier tipo por sí solo. Es similar al etnógrafo, que desde esa mirada distante es capaz de mostrar evidencias, pero no producir nuevas situaciones.
De esta manera, Storefront for Art and Architecture se presenta como una plataforma propicia para las discusiones y acciones provenientes de arquitectos facilitadores, que a su vez producen nuevas estéticas y denuncian esos espacios problemáticos del presente. Veremos cómo los nuevos curadores de este espacio logran perpetuar esta visión y liderar así proyectos capaces de dar mayor poder a la arquitectura.
Descripción enviada por el equipo del proyecto. En el 2013, los arquitectos de Smartvoll salieron como ganadores del concurso publicitado internacionalmente para un loft en Panzerhalle. Su diseño cautiva a través de la específica dramaturgia espacial. En 350 metros cuadrados y dos pisos, la idea clásica de un "loft" es perceptible, sin embargo, se está reinterpretando en muchos aspectos. "Nunca juego con la fachada, no vivo allí", dijo Adolf Loos. Tal como Loos se ha preocupado por las definiciones de espacio, Smartvoll hace lo mismo, más de 100 años después. Un especial enfoque se basa en el agotamiento de los materiales y de lo que es tecnológicamente posible. La arquitectura se desarrolla en el interior. El concepto de habitación y material desarrolla lo encontrado y retiene lo establecido. El concreto pulido y encerado es uno de los materiales decisivos para dar forma al interior.
"Queríamos revitalizar el encanto original del espacio. La magnanimidad y la experiencia espacial de ambos pisos fueron las prioridades. En todas las dimensiones."
El espacio no solo se conserva, sino que se enriquece con cualidades completamente nuevas. Para garantizar un brillo constante en todas partes, Smartvoll decidió renunciar a las galerías típicas y, básicamente, dejar libre la ventana superior. El dormitorio, baño y la habitación están distribuidos en todo el espacio, como cuerpos separados. El epicentro de la sala es la cocina, un bloque de siete metros de longitud. Toda la composición se completa con una escultura de hormigón, o una escultura de escalera, que no solo abre todas las habitaciones, sino que también parece soportarlas.
Plantas
"A través de la escultura de la escalera, que se extiende a través de las habitaciones, no se ve el camino entre los niveles como una conexión vertical y funcional, sino más bien como una eléctrica experiencia espacial."
Incidentalmente, la escultura divide la habitación, crea un techo sobre la cocina, huecos y alzados y, por lo tanto, le permite mantenerse en movimiento y ver todo desde cualquier lugar. Lo mismo se aplica a la ducha de vidrio, que sobresale del bloque de baño completamente de vidrio a una altura de cinco metros. La decoración tipo James-Bond se puede encontrar por todas partes. Lo más destacado, aunque un poco escondido, es el área de bienestar. Con chimenea incluida.
Las escaleras son una arquitectura dentro de la arquitectura. Hormigonada dentro de la casa, la ingeniería se explota en todos sus aspectos. Un objeto tierno con dimensiones mínimas, pero con un tremendo impacto espacial. Además del hormigón, solo se utilizan materiales sutiles y semitransparentes para separar el área de invitados, como Profilit. Esto se observa en las cortinas para el dormitorio o en los muebles integrados, que son como una repisa de acero colgante. Todos los demás muebles parecen estar integrados en la construcción. Una imagen inalterable, que celebra solo el espacio libre.
"Las conexiones del espacio y las visuales se mantienen maravillosamente intactas y la sala no se corta en diferentes cuerpos, pero se puede experimentar perfectamente con su impresionante altura de ocho metros".
En el nivel inferior, la sala está conectada a dos balcones. Sin embargo, incluso esta fachada se alinea con la escultura de hormigón en la inclinación; los balcones se ven como nichos adicionales del concepto general. Estos presentan un jardín Zen contemplativo, que incluye una loma cubierta de hierba, un árbol de jazmín y una clásica terraza de relax.
En ArchDaily queremos ver a más mujeres mostrando sus proyectos al mundo y recibiendo el reconocimiento que merecen por su obra. Hoy se celebra el día internacional de la mujer y junto a nuestras lectoras y lectores, queremos seguir dando visibilidad al valioso aporte que día a día millones de compañeras entregan al campo de la arquitectura.
Invitamos a todas las arquitectas que dirigen su propia oficina de arquitectura y que aún no han tenido la oportunidad de ver sus trabajos publicados en ArchDaily, a que participen de esta convocatoria abierta mostrándonos parte de su trabajo. Comparte con nosotros el link a tu portafolio, mostrando al menos 3 proyectos de arquitectura de tu autoría. Pueden ser obras construidas o sin construir, participación en concursos, renders, etc.
De todos los portafolios que recibamos, seleccionaremos una muestra diversa, proveniente de distintas partes del mundo y grupos etarios, de los mejores trabajos de arquitectura realizados por mujeres. Participa completando el formulario con tus datos hasta el jueves 22 de marzo.
Importante: El link debe dirigir a un sitio web, portafolio en PDF o archivo único en google drive. El link NO debe dirigir a una carpeta comprimida (.zip, .rar) ni a una carpeta con archivos sueltos en su interior.
El anhelado Teatro Regional del Bío Bío abrió finalmente sus puertas al público en una inauguración que contó con la presencia de la Presidenta de Chile, Michele Bachelet. Esta apertura era esperada con ansias y Bachelet así lo manifestó en su discurso de bienvenida: "El concurso internacional de arquitectura lo ganó Smiljan Radic en 2011, y recién en 2015 pudimos empezar a construirlo. Hemos querido inaugurarlo varias veces, y por fin está aquí, con su volumen imponente".
El diseño de Smiljan Radic, en el que también participaron los arquitectos Eduardo Castillo y Gabriela Medrano, fue ganador del Concurso Público impulsado por el Área de Arquitectura del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes -actualmente, Ministerio de las Culturas y las Artes- y se potenciará como polo de desarrollo artístico, intercambio y difusión de creadores y cultores de la región y el resto de Chile.
Tuvimos la oportunidad de conversar con Smiljan Radic acerca del término de esta importante obra que se suma a la red de espacios y centros culturales públicos de todo el país:
Es una obra que tiene connotación pública, social y política. En cuanto a la arquitectura tiene mucho de experimentación. Que se haya hecho este edificio es importante. Humildemente, dentro de la arquitectura nacional, creo que es un punto importante, no porque el edificio sea bueno, sino porque el edificio tiene grados de experimentación que normalmente en la arquitectura pública chilena no se consideran.
Radic ha generado vínculos estrechos con Concepción, lugar de nacimiento de su socio Eduardo Castillo. En los últimos años, ambos trabajaron intensamente en la región, desarrollando de manera simultánea el Teatro Regional y el recientemente inaugurado Centro Cívico de Boca Sur en San Pedro de la Paz:
Lamentablemente, Concepción se ha transformado en trabajo para mí. Y el trabajo suena muy creativo pero es un trabajo pesado. Me gustaría venir de vacaciones de vez en cuando (risas). Pero es un vínculo que ya tiene 20 años, es algo importante… Y cuando estábamos haciendo el proyecto, también siempre en la oficina estaba Concepción porque Eduardo era de Florida y ese era el vínculo más físico, más real. Pero siempre Concepción para mí ha significado trabajo y tratar de hacerlo de la mejor forma posible.
Le preguntamos también acerca de su más reciente publicación que recopila la parte más esencial de su obra y que fue lanzado a fines del año pasado. El libro titulado "Obra Gruesa", hace un guiño a una recopilación de la producción poética de Nicanor Parra de 1969. Coincidentemente, esa misma noche, el primer espectáculo que recibiría el Teatro Regional del Bío Bío sería un homenaje a la cantautora chilena Violeta Parra, hermana del anti-poeta:
En el prólogo de mi libro “Obra Gruesa, Arquitectura Ilustrada por Smiljan Radic” aparece una referencia explícita a Nicanor Parra y de la recopilación de sus 7 primeros libros. Nicanor Parra ocupa Obra Gruesa haciéndole un guiño a la Arquitectura y yo ocupo Obra Gruesa haciéndole un guiño a la Poesía. Es un juego… pero es explícitamente copiado.
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Corte
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![An American Tail [1986] [DVD5-R1] [Latino]](http://iili.io/FjktrS2.jpg)
