Arquitectos A Cargo: João Boto Caeiro, Fulvio Capurso
Área: 600.0 m2
Fotografías: Judith Orozco
Equipo De Proyecto: Maria Manuel Ponte, Marie Wellinger, Judith Orozco, Melanie Rouge, Santiago Acasuso Munro, Emiliano Delgado Duran
Construcción: Xavier Ugartechea
Diseño De Muebles: Valeria Tamayo Cordoba, João Boto Caeiro
Descripción de los arquitectos. El Restaurante Asador Vasco está situado en el segundo piso de una plaza comercial en la Colonia Reforma. El proyecto consistía en diseñar un restaurante en un espacio comercial pre existente así como proyectar una ampliación del restaurante creando un bar y un patio exterior sobre la azotea del piso 1. El proceso incluyó también la creación de un segundo piso con dos zonas distintas de administración y baños. La ampliación exterior del restaurante mantiene la fachada y la estética de la plaza comercial diseñada por el arquitecto Daniel López.
El espacio pretende recrear el ambiente de un típico restaurante Vasco de las Asturias con elementos y materiales que son propios al ambiente de los típicos comedores y tabernas Vascas. El restaurante se desarrolla en un espacio abierto y continuo, así diseñado para que en cualquier momento sea compartimentado, creando espacios distintos para diferentes necesidades.
Planta
La planta baja, en forma de L, incluye el área de recepción, restaurante, bar, un patio exterior y su respectiva cocina. En la planta alta por dos accesos distintos podemos llegar a una área de baños y una sala para niños o, por un acceso privado, a una zona de administración.
El diseño de interiores son elegidos para promover el concepto del restaurante, tres materiales fundamentales se destacan, el acero, la madera y el piso mosaico de pasta (hidráulico). La incorporación del metal negro en detalles transporta desde el exterior el encuadramiento del restaurante en la plaza, permitiendo así un conjunto más plausible. A partir de este punto, se desarrolla un conjunto de varios elementos en madera, desde la barra a la cava de vinos a las particiones movibles y las mesas, todos elementos unidos bajo un plafón de madera que acompaña todo el espacio.
En el piso, entre color negro y rojo, el lauburo, la flor y símbolo del país Vasco, representado en losetas diseñadas para el restaurante que se encuentran de forma aleatoria distribuidas entre las líneas de piso de pasta rojo y negro.
Primer Lugar. Image Cortesia de reTHINKING competitions
Convocado por reTHINK!NG Competitions y con el apoyo de Project Redsand, el Jurado del concurso internacional Astronomy Center Redsand anunció a los proyectos ganadores, todos enfocados en la rehabilitación de las fortalezas militares marinas Maunsell en los estuarios de los ríos Támesis y Mersey de Reino Unido para convertirlas en un centro de astronomía.
Entre 130 propuestas provenientes de todo el mundo, los primeros tres lugares del concurso recayeron en ideas provenientes desde Francia, Polonia y España, además de la presencia de Colombia y Argentina en las menciones de honor.
Conoce los proyectos premiados en esta competición internacional, después del salto.
PRIMER LUGAR
Título: Between The Sea And The Sky País: Francia Autores: Charbel Jabbour, Kristiana Lytviak y Laure Knoepfli
Memoria: nuestro proyecto es parte de un total, entre cielo y mar, con el ser humano como el centro. Nuestra principal pregunta ha sido cómo darle vida a una estructura militar existente, con elementos de connotación industrial y para esta transformación, ubicamos el programa relacionado a la observación y el estudio de las estrellas en los sectores existentes, con dormitorios y un comedor, así como también los elementos técnicos necesarios para el adecuado funcionamiento de la vida en “plataforma”.
El proyecto gira en torno a dos ideas básicas: la primera fue intentar conectar los elementos existentes entre sí. Para esto, el primer gesto arquitectónico fue integrar un volumen longitudinal que acentúa el eje existente en el centro. Este volumen, con las cuatro estructuras existentes, será el eje donde tendrán los accesos, las oficinas, los observatorios y las zonas de lectura.
Este eje se rematará por dos volúmenes que contendrán dos telescopios necesarios para los investigadores y un observatorio. También se conectará a las otras tres estructuras por tres puentes cubiertos. Esos tres elementos contendrán las habitaciones en un lado y el restaurante en el otro.
Después de conectar los elementos existentes, la segunda idea fue conectarlos con su contexto, principalmente el mar. Para esto, creamos una gran plataforma circular flotante que rodeará las estructuras. Con esto quisimos delimitar el sitio en la infinidad del mar y el cielo, dando a la gente que pasa largo tiempo en el centro astronómico, una gran plataforma donde podrán cierta distancia del proyecto.
Primer Lugar. Image Cortesia de reTHINKING competitions
SEGUNDO LUGAR
Título: The World Around País: Polonia Autor: Bartosz Wójcik
Memoria: la principal suposición del proyecto es reemplazar la estructura militar destruida con una nueva, funcional y atractivo, utilizando el sistema constructivo existente. La forma escogido responde de la mejor manera a los espacios exigidos para instalaciones astronómicas.
El nuevo Red Sand Center será autosuficiente, utilizando las turbinas de energía bajo el mar que se beneficiarán de las marcadas diferencias en el nivel del mar. El exceso de energía podría ser almacenada en grandes volantes, insertos en los ciclos del sistema de comunicación. Se propone la creación de una granja hidropónica, un sistema de desalinización del agua y también un hotel astronómico.
Segundo Lugar. Image Cortesia de reTHINKING competitions
TERCER LUGAR
Título: MUSSELing ARCHITECTURE País: España Autor: Fernando Delgado Páez
Memoria: Basado en la analogía de la ocupación del territorio por parte de los mejillones, el concepto del proyecto consiste en agregar pequeños volúmenes efímeros a los edificios ya existentes, como mejillones en las rocas, manteniendo las principales propiedades de las rocas, sin alterar su identidad y la esencia del lugar.
Este proyecto tiene como objetivo actualizar este patrimonio, resolviendo los requerimientos funcionales de hoy, manteniendo y maximizando la carácter e historia del lugar, entregando al investigador una intensa experiencia para estudiar el universo.
Tercer Lugar. Image Cortesia de reTHINKING competitions
MENCIONES HONROSAS En orden alfabético
Título: Aevum País: España Autores: Pablo Manso Dias y Abraham Manso Pérez
Mención Honrosa. Image Cortesia de reTHINKING competitions
Título: Beyond The Clouds País: Estados Unidos Autores: Yang Yu, Anthony Dombrowski y David Emmons
Mención Honrosa. Image Cortesia de reTHINKING competitions
Título: D-LAB País: Corea del Sur Autores: Sangwon Kim, Seungmo Kim, Haesoo Yang y Sinae Choi
Mención Honrosa. Image Cortesia de reTHINKING competitions
Título: Geography Of Infinity País: Colombia Autores: Catherine Preciado Santa y David Cadavid Castañeda
Mención Honrosa. Image Cortesia de reTHINKING competitions
Título: Line País: Argentina Autores: Tadeo Itzcovich y Agustín María Aguirre
Mención Honrosa. Image Cortesia de reTHINKING competitions
Título: Mightly Lens País: Rusia Autores: Chetvernya Dari y Nesterenlo Iaroslav
Mención Honrosa. Image Cortesia de reTHINKING competitions
Título: Naturelab País: Alemania Autor: Caner Dolas
Mención Honrosa. Image Cortesia de reTHINKING competitions
Título: Personal Bubble País: Polonia Autores: Marta Kowalska, Zuzanna Sprogis y Zoa Laskowska
Mención Honrosa. Image Cortesia de reTHINKING competitions
Título: Silentarq País: Argentina Autores: Fernando Iguerategui, Juan Olea, Noelia Hernández y Martín Caracoche
Mención Honrosa. Image Cortesia de reTHINKING competitions
Título: Virtual Observatory País: España Autores: Andrea Adones del Barrio, María Agudo Praena, Luis Daza Reyes y David Sánchez
Mención Honrosa. Image Cortesia de reTHINKING competitions
Descripción de los arquitectos. Este granero de 1878, ubicado a 1.760 metros por sobre el nivel del mar, se utilizó como vivienda durante la temporada de pastos. Los animales fueron protegidos en el nivel del suelo.
A pesar de sufrir una serie de modificaciones insignificantes en los últimos años, este edificio mantiene su carácter original, distintivo y tradicional. Los anexos agregados fueron desmantelados para revelar su forma inicial, ligeramente elevada con el fin de ganar altura bajo el techo. El edificio se utiliza actualmente como una casa de vacaciones; debido a su posición privilegiada en la zona de esquí.
Corte
El proyecto de reconversión intenta hacer hincapié en la comodidad de la granja, manteniendo su carácter rudimentario. La principal intervención externa es la apertura de un gran ventanal hacia el valle, ofreciendo sol, luz y vistas excepcionales hacia los Alpes.
El revestimiento interior, suave y cálido, se revistió con paneles de alerce, contrastando con las fachadas de piedra en bruto, diseñadas para resistir al clima alpino difícil. Una estufa de leña garantiza la calefacción de la habitación principal.
Casa de Playa en Guatemala / Christian Ochaita + Roberto Gálvez
¿Cuál es el rol del dibujo a mano en la arquitectura contemporánea?
Luego de un intenso debate desarrollado en torno a los pros y los contras del trasnoche en la arquitectura, pusimos un segundo tema en el centro de la discusión para conocer y confrontar la opinión de nuestros lectores. Esta vez, en torno al dibujo a manoy su relevancia en el ejercicio actual de nuestra profesión. Las mejores respuestas, a continuación.
Cortesia de Equipo Mención Maximiliano Alvarez-Axel Tanner
Supuesto #1 EL DIBUJO A MANO ES UNA COMPETENCIA FUNDAMENTAL EN TODO ARQUITECTO
...si un arquitecto no sabe plasmar la idea en un bosquejo, mejor que se dedique a otra cosa.
El dibujo a mano es la idea misma. Si un arquitecto no sabe plasmar la idea en un bosquejo no sirve, la arquitectura no es lo suyo. [Héctor Horacio Zorrilla]
...nuestra mano es parte de nuestro cuerpo y nunca tendremos la misma relación con un objeto externo.
Creo que hay generaciones que tienen incorporadas las herramientas desde la formación. Tienen ese lenguaje implícito. Otras generaciones anteriores lo incorporamos luego, y es una diferencia fundamental a la hora de expresarse, De todas formas, nuestra mano ES parte de nuestro cuerpo y nunca tendremos la misma relación con un objeto externo. Lo que probablemente falte cada vez más es ejercitarlo. Yo lo prefiero. Además prefiero minimizar el tiempo frente a la pantalla. [Soy Mai]
...la expresión gráfica permite entender de inmediato el ámbito que se sitúa una obra, entrega un mensaje más allá de lo técnico.
Hace poco tiempo, alumnos de primer año entregaron plantas de arquitectura de una casa (a mano). La casa pertenecía a un pueblo muy abandonado, eran casas antiguas donde cada alumno debía entrar (con permisos de los dueños) a tomar medidas y catastros en general. La mayor parte de los alumnos al realizar la planta, hicieron lineas duras de muros, en planta parecían casi casas de ciudad, excepto unos 2 que decidieron hacer la planta a mano suelta, que el trazado no fuera 100% recto, que las rejas de madera fueran desviadas, por ejemplo... Si bien en tema técnico no eran precisos los trazos, la expresión gráfica daba a entender de inmediato en que ámbito nos situaba aquella vivienda. Creo que esa gratuidad de dibujar a mano no la consigues en un computador. Es como el pintor, no es mejor el que hace mas real la pintura, si no el que hace llegar su mensaje. [David]
Cortesia de Estudio Arzubialde
...el dibujo tiene una capacidad de seducción en negociaciones preliminares; abre puertas y es un sello de la disciplina que no debiera perderse.
Hace un tiempo en una entrevista a un chileno que trabajaba en Asia, señaló que lo que más le hacía falta eran arquitectos que como los antiguos fuesen capaces de en el espacio de una misma reunión de trabajo, generar unas líneas o trazados iniciales que indicaran la dirección de un proyecto. El dibujo tiene por sobretodo una capacidad de seducción, y ello, en muchas instancias es muy útil, incluso en negociaciones preliminares. El dibujo abre puertas y es un sello de la disciplina que no debiera perderse. Personalmente, mi capacidad de trabajo manual me abrió muchas puertas en Europa a donde fui por dos meses y me terminé quedando cuatro años. [Magdalena]
...es imposible sustituir la agilidad del lápiz, el papel y nuestra creatividad por un programa informático.
Yo soy de los que piensa que el dibujo a mano es esencial para plasmar realmente las ideas que pasan por nuestra cabeza. La agilidad que da un lápiz, un papel y nuestra creatividad en determinadas situaciones, es imposible sustituirla por un programa informático.¿Quién no ha tenido que explicar ideas o detalles a cliente en una reunión a través de un boceto en un papel? Un dibujo hecho a mano devela muchas cosas de su autor que acercan sus ideas al cliente o usuario final. [Miguel]
...¿cómo utilizar un software si no entendemos los fundamentos del dibujar a mano en primer lugar?
Hay mucho que se puede decir de este tema. Pero como dijo uno de mis profesores en la universidad: "¿Cómo vamos a utilizar software si no entendemos los fundamentos del dibujar (a mano) en primer lugar?" El software al final termina siendo una herramienta de presentación, pero no se somete a la imaginación y el dibujo a mano alzada. [Andrea Oyuela]
...lamentablemente en las universidades enseñan poco y nada de dibujo; el cliente quiere diseños en software, las universidades enseñan software.
La mano piensa. Es preciso diseñar a mano, y claro que el computador se puede usar para diseños mas finales, pero el proceso del proyectar a mano es realmente importante. Lamentablemente en las universidades enseñan entre poco y nada sobre dibujo, dándole muchísimas mas horas a enseñar sobre distintos softwares, que, a mi juicio, lo único que hacen es calentarnos más y más la cabeza. Pero esto es un problema a nivel global. El cliente quiere diseños en software, las universidades enseñan software. Si el estudiante de arquitectura quiere aprender a proyectar a mano, va por iniciativa propia, realizar sus proyectos a mano y ya. Lo que me parece contradictorio es que en la universidad, si llevas algo hecho a mano y de calidad, te felicitan por la técnica y los profesores felices recordando sus tiempos universitarios en que todo era a mano... Pero si tan felices les pone, ¿porqué no enseñar mas sobre esta técnica? Pero bueno... no es una sorpresa que el sistema este ganándole a los procesos "artesanales" de proyectar, y de vivir. [Nicolás Pimentel Andreu]
Cortesia de Steven Holl Architects
Supuesto #2 EL DIBUJO Y LAS NUEVAS TECNOLOGÍAS SON HERRAMIENTAS QUE SE COMPLEMENTAN
...el rol del software es plasmar una idea que previamente se gestó a través del dibujo.
El rol del dibujo a mano es gestar una idea del imaginario... el del software, plasmarla. [Daniel Pastor Arellano]
...las dos son totalmente válidas.
Las dos son bienvenidas y valoradas... proyectar desde la génesis de la mente del arquitecto, expresando la idea a través de herramientas tan básicas como un lápiz o un lápiz electrónico, como lo es hasta ahora el mouse en el CAD. Todo va en lograr ese objetivo de plasmar la idea en un plano, y ese plano que sea entendible por todos. La técnica de usar lápiz sobre una croquera es maravillosa, es el contacto inmediato mente-idea, mano-lápiz, es un vector mental y particularmente poético de una idea. Los trazos en CAD son una técnica un poco fría y sin alma (si bien está en la idea del arquitecto) es obvia y dura. Insisto en que las dos son válidas... [WALDO]
...es poco profesional presentar los dibujos técnicos de una obra a mano, pero es así sólo porque estamos socialmente convencidos de ello.
Lo vamos a plantear de otra forma; ¿los esquemas dibujados a mano, en la ingeniería o cualquier tipo de diseño es anacrónico? ¿o sólo una forma de ordenar, registrar y probar dichas ideas? Lo que si pienso es que AHORA es poco profesional presentar los dibujos técnicos sobre una obra a mano, pero solo es así porque estamos socialmente convencidos de ello. Estoy seguro que nadie diría que Glenn Murcutt, por nombrar algún arquitecto que presenta sus dibujos como proyectos, sea poco profesional. El CAD es rápido frente al error y da resultados profesionales, pero creo que como en "2001, Odisea en el espacio", el artilugio mas primitivo es siempre el básico, el más amplio, en este caso el lápiz (en 2001 era el destornillador). [Migue]
Cortesia de DSDHA
...saber dibujar a mano va en conjunto con el poder de programas 3D como Revit y Rhino.
Yo siendo experto en Revit y Rhino dependo mucho del dibujo a mano ya que es más rápido solucionar en papel antes de invertir el tiempo en modelar. A la vez en una reunión un bosquejo toma 30 segundos y usar Revit en un laptop es eterno. Saber dibujar a mano va en conjunto con el poder del 3D. [Ricardo A. Maturana]
...es un tremendo error el despreciar las nuevas técnicas digitales.
Cuantos más recursos manejemos, mejor. No hay que renunciar a ninguno de los dos y es un tremendo error el despreciar las nuevas técnicas digitales, con el tiempo se verá. [Kare]
...el día que las computadoras diseñen sin un hombre que dirija sus procesos, ¿qué haríamos entonces los arquitectos?
Creo que la computadora es tan solo una herramienta y a través de los softwares es un instrumento de representación de las ideas. Pero la creatividad se explica más velozmente con el bosquejo hecho a mano, este, incluso, a su vez expresa o explica trazos subjetivos que aclaran secularidades objetivas. El diseñador tiene el control del objeto a diseñarse a través de esta relación cinética entre mente, mano y papel o sketch. Y yendo más allá, se pueden utilizar estas técnicas de informática sin el trazo sintetizador del esbozo, pero en todo caso, el hombre está ante, sobre y detrás de la máquina. El día que la computadora diseñe sin el concurso del hombre, sencillamente terminaría ese proceso confortable de la creatividad y nosotros, ¿qué haríamos los arquitectos? [Paco]
Descripción de los arquitectos. La estación Community Green, situada en Sha Tin, Hong Kong, en un terreno de 0,18 hectáreas, se completó al final del año 2014 con un ajustado presupuesto de £1.6M. Se trata de un proyecto piloto para implementar la estrategia gubernamental de gestión de residuos "reducción primero". La estación apoya los esfuerzos de reciclaje a nivel comunitario; y presenta programas educativos y exposiciones para abogar por la importancia del reciclaje. Se compone de un centro de educación, un taller, oficinas e instalaciones de servicios.
Cortesía de Architectural Services Department
Desafío
¿Cómo podemos crear una estación de reciclaje temporal en nuestro barrio que tenga un impacto positivo en la comunidad? No queríamos que la estación fuera un punto de acopio de basura, pero si un aporte a la localidad. Con esto en mente, transformamos un estacionamiento con poco flujo en un lugar de reunión; y tratamos el diseño sustentable no como una técnica, sino como parte de nuestra cultura local.
Diagrama
Concepto de diseño
La estación se divide en el jardín y el patio trasero para servir a las funciones de exhibición y talleres, respectivamente. Los edificios están compuestos de contenedores modulares, modificados para adaptarse a las necesidades de las diferentes funciones. La idea del patio con jardín es un recurso para generar un sentido de comunidad con un toque de oasis en el corazón de la zona industrial. Se crean múltiples capas de espacios de lo público a lo privado, desde el espacio abierto, espacio semi-abierto, al lugar cerrado, como una reinterpretación de la idea de pabellón en el jardín chino.
Cortesía de Architectural Services Department
Estos conceptos de 'pabellón' y 'terraza' se expresan en el espacio de exposición y el área de circulación, mediante la difusión de la luz del día a través de las pantallas de bambú. Se logra el uso flexible del espacio, mediante el diseño de una planta libre y la conectividad entre el espacio interior y exterior.
Cortesía de Architectural Services Department
Aunque la "estación verde" es temporal, materializa un valor cultural permanente, redescubre nuestras raíces y encuentra un paralelo con las características verdes imperantes.
Cortesía de Architectural Services Department
Declaración de sustentabilidad
Como no se utiliza aire acondicionado, la envolvente del edificio se abre a los patios para maximizar la ventilación cruzada, y se favorece del gran techo en voladizo y las rejillas verticales con enredaderas para protegerse del sol. La luz natural se filtra en la oficina y el área de usos múltiples a través de un acristalamiento de baja emisividad. El espacio de exposiciones está bien iluminado a través del techo de bambú y la pared semi-permeable.
Cortesía de Architectural Services Department
Se utilizó ampliamente la vegetación vertical sobre el edificio y el patio, como una forma de permitir que la vegetación de la montaña cercana se filtrara en el corazón de la sede. Las pantallas de bambú con platas se mezclan con la elevación, suavizando el tacto frío de los contenedores y armonizando el paisaje urbano.
Cortesía de Architectural Services Department
La edificación fue mejorada en gran medida por instalaciones modulares prefabricadas fuera de la construcción . Los componentes principales, incluyendo los containers, baldosas y adoquines, están hechos de materiales reciclados o recuperados.
Descripción de los arquitectos. El barrio y Passage de Melun
Idealmente situado en un barrio de clase obrera y con una variada trama urbana, a cercanías de Buttes Chaumont hay un sitio en una pequeña y tranquila calle, no muy lejos de las tiendas de la Rue de Meaux. Passage de Melun es una densa, estrecha y pequeña calle, con edificios que alcanza una altura media de 20 metros o seis plantas.
Si bien el sitio es complicado, porque es pequeño (30 metros de ancho por 12 metros de fondo) y sin jardín, cuenta con importantes bienes debido a la posibilidad de llegar a un acuerdo para compartir una cancha con el proyecto adyacente. Esta es una oportunidad de oro para crear una generosa, eficiente y contemporánea cuadra que contribuya al perfil de la calle, así como a la calidad de los apartamentos y el barrio.
Planta
Perfil de la calle
Partiendo del supuesto de que, en una densa zona urbana, es más agradable vivir en un piso superior, hemos construido verticalmente hasta el sexto nivel. La vista de la Torre Eiffel desde el quinto y sexto piso, destacada por el promotor inmobiliario, fue también una atracción convincente para nuestro esquema de "vivienda social". Esta idea nos inspiró para crear dos pequeñas y lisas "torres", separadas por un espacio en el que se plantan árboles. Esta brecha, atravesada por "pasarelas-balcones", permite que el sol ingrese a la calle desde el lado sur y permite que los vecinos disfruten de las produndas vistas en el espacio del patio interior. Este rayo de sol que brilla en la vereda de enfrente garantiza la calidad duradera y el balance del nuevo perfil de la calle, que de otro modo se hubiese hundido en la sombra de este nuevo proyecto.
Nuestro esquema se inspira en el contexto, haciendo uso máximo de una pequeña parcela pero, a cambio dota de un soleado jardín que disfrutan los residentes de nuestro proyecto como también transeúntes. Nuestra planta tipo minimiza el impacto del aterrizaje sirviendo dos apartamentos adyacentes de 2 dormitorios y 3 dormitorios, así como un tercer apartamento al que se accede por una pasarela-galería que al mismo tiempo actúa como un balcón privado.
Nuestro enfoque consiste en dar a cada apartamento todas las características de la arquitectura de alta calidad en un entorno relativamente de alta densidad, sea cual sea el tipo de vivienda, de 2 o 4 dormitorios:
- Amplios ventanales. - Apartamentos de 3 dormitorios que se abren a lados opuestos, apartamentos de dos dormitorios en las esquinas en los lados sur y oriente, departamentos de 4 dormitorios que dan a tres lados. - Bien proporcionados, salas de estar agradables que dan a balcones y patios. - Dormitorios grandes que pueden ser acomodados fácilmente a funciones adicionales. - Cocinas amplias y bien iluminadas, conectadas directamente con los balcones y con un espacio real para las comidas.
Estos balcones, con un cómodo tamaño, garantizan cualidades funcionales duraderas y garantizan el apego de los ocupantes a sus apartamentos. Hay apartamentos dúplex en el quinto y sexto piso.
Corte
Áreas comunes en la planta baja
La entrada al vestíbulo del jardín de invierno, la cual ocupa toda la zona comprendida entre la calle y la zona del patio interior, es un espacio generosa y un punto de reunión. Su simple forma hace que sea más fácil de mantener. Plantamos un estrato con árboles en esta área, creando una densa vegetación visible de todas partes. El suelo está cubierto con resina color púrpura y las columnas en V que levantan el edificio del suelo son de hormigón a la vista sin asfaltar.
Dos espacios cerrados contienen la sala de bicicletas y el cuarto para el equipo de jardinería. El esquema está envuelto en una "piel" de metal iridiscente (paneles de revestimiento de 50 cm de ancho por 2,60 m de alto, Oro de Perla, cubiertos en aluminio, producidos por Arcelor Mittal) que cambia de color en función a las variaciones de la luz y las estaciones. En este esquema, podemos reconciliar la arquitectura contemporánea con la calidad funcional y la comodidad cotidiana de un pequeño edificio de apartamentos.
Descripción de los arquitectos. Esta es una casa para una pareja y dos niños en Kagoshima, al sur-oeste de Japón, de altas temperaturas y la humedad. Su objetivo era controlar pasivamente el clima interior en relación con el entorno, composición de construcción y la física, y la disposición de la sala haciendo referencia a soluciones locales de construcción tradicionales.
Planta Baja
La casa fue diseñada como un bloque cuadrado compacto con un gran techo basado en el sistema de estructura híbrida de madera - una combinación masiva de panel de madera laminada y marco de poste y viga (P&B). La pared exterior está hecho de panel de madera laminada (t = 105 mm, sin revestimiento) jugando un papel importante en el cumplimiento de las prestaciones del edificio. Esta pared de madera masiva funciona como el marco de soporte de carga, aislamiento térmico, revestimiento interior y capa hermética. Esta multifuncionalidad hace el mejor uso de las propiedades estructurales y térmicas inherentes de la madera y simplifica la composición del edificio, lo que resulta una optimización del período de construcción y coste. De hecho, en la misma escala, el costo de construcción de esta casa era comparable a una P&B de madera ordinaria en Japón, a pesar de que se utilizó el panel de madera laminada, que es mucho más caro en comparación con la madera aserrada.
La masiva pared exterior lleva todas las cargas horizontales aplicadas al edificio debido a terremotos y tifones. La estructura interior es, por lo tanto, un marco P&B puro, que forma el piso y el techo. Como consecuencia, el espacio interior podría convertirse flexible para posibles cambios futuros en disposición de la sala gracias a la ausencia del muro de carga en el interior. Uno de los pilares de pie en el primer piso es el ciprés japonés plantado por el abuelo del cliente y cosechado por el padre del cliente, dando existencia a una conexión entre las tres generaciones de la familia de la casa.
Corte Detalle
Para absorber el movimiento de madera, la pared exterior se divide en elementos en forma de L, que están de pie en las cuatro esquinas de la casa habiendo hendidura entre sí. Las hendiduras llevan la luz natural y el viento en el interior y dan a los residentes la sensación de amplitud hacia el exterior. El aire fresco entra en la casa desde cada dirección y la ventana clearstory situada en el centro del techo acelera la ventilación natural del interior. Plegable de madera doorsattached la gran hendidura en la fachada sur actúa como un obturador de tormenta (estado cerrado) y una sombrilla en la oscuridad (estado abierto). Aunque la masiva pared de madera sería inferior a la estándar pared exterior enmarcada de madera, en términos de rendimiento térmico numérico (por ejemplo, valor U), aquí el almacenamiento dinámico térmico / humedad, masa térmica y olfativo visual / háptico / efecto, se espera para mantener el clima interior de una manera apropiada. El techo se compone de dos hojas de cartón para techos que tiene un espesor de ventilación y capas de barrera de radiación en el medio, con el fin de minimizar la radiación solar y sobrecarga en verano.
El uso de materiales sobre la base de "el material adecuado en el lugar correcto", basado en la adecuada comprensión de sus propiedades podrían aumentar la calidad y el rendimiento de un edificio sin comprometer la justificación económica. En ese sentido, el sistema híbrido de madera puede conducir a una mayor divulgación de la madera en la construcción.
El proyecto se concentra en el impacto de los volúmenes construidos y no construido sobre el paisaje urbano existente, lo que lleva a la primera opción obvia de no ocupar todo el terreno (como lo hace el bloque de oficinas existente de la década de 1950 que se demolirá) sino un paso atrás, re-alineado con la parte de atrás del vecino de la izquierda. En segundo lugar, se toma la opción de desarrollar una pieza final de 3 fachadas, terminando una alineación existente de imponente arquitectura del bulevar salpicada por el Tour Anneessens restaurado. Por tanto, este es un sitio estratégico que articula edificios de escala del siglo 19 y vestigios de escala medieval, no se querían gestos, sólo respuestas pertinentes.
Planta ubicación
Se imagina un conjunto blanco neutro que sirve como "fond-de-scène" para el Tour medieval, que se caracteriza por una serie rítmica de pasos hacia atrás distintos, en los tres lados, moldeando y calificando así el espacio abierto que se cristaliza entre el nuevo edificio y el Tour. Espacio construido y no construido se pliega y despliega, se deforma y reforma, se transforma, tomando el ejemplo del contexto inmediato, así como de la ergonomía de los interiores y terrazas resultantes.
El resultado aporta un valor agregado para el jardín pequeño plantado junto al proyecto en el que el Tour una vez estuvo de pie tristemente, con perspectivas frescas y acogedoras hacia y desde los vestigios, y espacios seguros y agradables públicos / semi-públicos donde los turistas y transeúntes pueden parar y admirarlos. Una serpentina de concreto sinuosa sirve como un banco de bienvenida, que serpentea hasta el último fragmento de arco medieval.
Diseñado por Thomas Heatherwick, ya han sido presentadas públicamente las nuevas imágenes del Garden Bridgeen Londres a inaugurarse en 2018. En cinco zonas creadas por el paisajista Dan Pearson y que abarcarán los 6.000 m² de espacio público del puente, el cruce albergará 270 árboles, 2.000 arbustos, plantas y enredaderas, llevando a los peatones a través de la historia de la horticultura de Londres, "desde el salvaje pantanal hasta jardines cultivados, según reporta el Garden Bridge Trust.
"Estoy emocionado de exponer la pasión de Gran Bretaña por la jardinería y la horticultura en el Garden Bridge, utilizando la historia horticultural de Londres para ayudar a inspirar el diseño.
Hay tantos momentos excepcionales de jardines del pasado y actuales espacios verdes en torno a nosotros, y el Garden Bridge complementará y continuará la rica historia de excelencia horticultural en Londres", dijo Dan Pearson.
"Sea cual sea la estación del año, la siembre proporcionará colores e interés al público [...] La abundancia de flores ricas en néctares, berries y frutas creará un lugar atractivo para la fauna. La plantación también mejorará y enmarcará nuevas vistas del río", agrega.
El arquitecto y académico argentino Julio Arroyo* ha compartido con nosotros una interesantísima entrevista que realizó a Peter Eisenman en abril de 2014 durante una visita a su estudio en Nueva York. La entrevista estuvo motivada en el interés académico por revisar el pensamiento de arquitectos contemporáneos entre los cuales Peter Eisenman se perfila como uno de los actores centrales del debate.
Durante la conversación, Eisenman aborda diversos tópicos propios de su quehacer como pensador y arquitecto, desde la importancia de la construcción de objetos como ejemplos de las ideas y pensamientos arquitectónicos, hasta los problemas que enfrenta la arquitectura hoy con fenómenos como el diseño paramétrico, las nuevas tecnologías en materiales y la rapidez e influencia de los medios de comunicación.
Respecto de la experiencia, el profesor Arroyo nos comenta: "La entrevista fue solicitada con anticipación y se concretó en ocasión de un viaje particular a New York realizado conjuntamente con Adriana Collado, también arquitecta, docente e investigadora de la FADU / UNL. Peter Eisenman accedió muy gentilmente a una conversación que se extendió por bastante más de una hora. Lo que se publica en el vídeo es una selección de tramos de la conversación autorizada por el arquitecto Eisenman, a quien cabe agradecer no sólo su buena disposición sino también la ocasión de una charla distendida y amistosa que nos proporcionó."
*Julio Arroyo es arquitecto, docente e investigador de la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad Nacional del Litoral, Santa Fe, Argentina. Aborda temas de proyecto, teoría y crítica de la arquitectura y la ciudad contemporánea.
Descripción de los arquitectos. El proyecto para la nueva sede de Intesa Sanpaolo es un laboratorio ambiental y social y un proyecto urbano, con una urbanidad discreta que la une con los habitantes de la ciudad.
El edificio está situado en el borde del centro histórico de la ciudad, cerca de la estación de Porta Susa, en la intersección noreste de Corso Inghilterra con Corso Vittorio Emanuele II, y se encuentra en el centro de una concentración excepcional de servicios públicos e instalaciones de escala metropolitana en una zona de importancia estratégica para la ciudad.
El jardín contiguo, Giardino Nicola Grosa, se ha actualizado y se transformó en un espacio lúdico, con árboles de diferentes alturas, césped y funciones del barrio. El acceso al jardín de Corso Inghilterra tiene una galería pública que atraviesa el hall de entrada en la planta baja.
Corte Longitudinal 1
La torre, de 166 metros de altura se divide por infraestructura en: 3 niveles de estacionamientos, uno de cuartos de servicio y un jardín bajo alrededor del cual están establecidos el restaurante de la empresa y el jardín de infantes, mientras que por encima consta de 26 plantas de oficinas y un piso para formación que incluye espacios y servicios abiertos al público.
Dos volúmenes en particular, revelan la vocación pública de la torre. El más bajo es una sala de conferencias flexible que se puede transformar en una sala de exposiciones, conciertos o actuaciones cuando sea necesario gracias a un altillo móvil y una acústica variable y tiene una capacidad para 364 personas. El más alto es un invernadero bioclimático con ventilación natural, el cual da la bienvenida al público en tres niveles: el restaurante con jardín, la sala de exposiciones y la terraza en la azotea.
Al este y al oeste la columna vertebral del edificio consta de ascensores y escaleras, lo que contribuye al efecto vital y variado del diseño. Al sur de la escalera se incorpora un jardín de invierno vertical donde enredaderas filtran la luz detrás de fachadas motorizadas.
Corte
El edificio es el resultado de la investigación avanzada con la intención de tomar las ventajas de las fuentes naturales de los alrededores (agua, aire, luz solar) y limitar el consumo general. El agua subterránea se utiliza para la refrigeración de las oficinas. La energía solar es capturada por toda la fachada sur mediante paneles fotovoltáicos que cubren toda la fachada de la torre.
La altura del techo de las oficinas es 3,20 metros y se ha optimizado la iluminación indirecta. Se prestó especial atención a las condiciones laborales de los empleados en cuanto a la calidad del espacio, iluminación y confort térmico.
La fachada de vidrio de doble piel hace que sea posible limitar la pérdida de calor en invierno y se controle en relación con la entrada de calor a través de un sistema de aberturas y pantallas solares con persianas motorizadas, que controlan la irradiación y la iluminación en las áreas de trabajo.
Diagrama
En verano, el aire fresco de la noche se canaliza al interior a través de forjados de hormigón dobles, absorbiendo su frescura y liberándola a las oficinas día a día con la ayuda de paneles radiantes.
Al igual que las montañas cubiertas de nieve que forman el telón de fondo de la ciudad de Turín, la torre está cubierta con materiales brillantes blancos (vidrio, aluminio lacado, vidrio opalescente) que la hacen casi inmaterial y "luminiscente," como el hielo, formando variaciones sutiles fotosensibles y facetas que cambian dependiendo de la hora del día y la temporada.
El programa se desarrolla en un volumen único. Se da grosor al muro construyendo las estanterías a ambos lados de la sala para así liberar el espacio interior, y colocando las mesas de consulta y lectura en el centro. Un muro que no llega a techo define el espacio de la administración por un lado y del almacén por el otro.
Cortesia de Albert Faus
La estructura portante es un sistema mixto de muros de carga y pilares de fábrica de ladrillo BTC (tierra comprimida), producido a poca distancia de la obra. Estos ladrillos se utilizan también en la ejecución del techo interior de la sala, un tendido en seco sobre reas de ø10mm embebidas en las vigas de hormigón armado. La cubierta superior, totalmente exenta y a dos aguas, permite evitar el asoleo directo en los muros y evacuar rápidamente el agua de lluvia. La cubrición es con placas grecadas galvanizadas los tramos rectos y placa de igual greca pero plástica y translúcida en el tramo curvo central.
Emplazamiento
La Fundación KATIOU había almacenado en el poblado varias decenas de paneles de policarbonato provenientes del desmontaje de una veranda en Madrid. Con tal de aprovechar la totalidad de dicho material, se dimensionó el módulo de ventana+lucernario según la medida de los paneles así como de la fábrica de ladrillo BTC.
Cortesia de Albert Faus
En edificios con presupuestos ajustados como éste, lo habitual en Burkina es colocar simples carpinterías metálicas sin acristalar, con lamelas orientables que permitan regular la ventilación y el nivel lumínico del interior. Disponer de numerosas ventanas en las fachadas no nos asegura una buena iluminación natural pues dadas las exigentes y cambiantes condiciones climáticas del lugar, o bien porque hay mucho polvo en el exterior, o bien porque el aire circundante está ardiendo, o tal vez porque llegaron las fuertes tormentas con la lluvia a 45°, o porque las temperaturas en diciembre descendieron y aquí a 25° ya se tiene sensación de frescor, que la realidad demuestra que gran parte del año las lamas están entornadas o del todo cerradas y ello obliga al uso de la iluminación artificial en una sala de lectura incluso durante el día.
Cortesia de Albert Faus
Por otro lado, en Burkina Faso, uno de los países más pobres del mundo, los cortes en el suministro eléctrico están al orden del día.
Axonométrica
Por tanto, se potencia la iluminación -y ventilación- natural mediante aberturas que reutilizan las placas de policarbonato, traslúcidas y aislantes. Las ventanas se sitúan a lo largo de las fachadas norte y sur así como en el techo con la disposición de unos grandes lucernarios practicables del mismo ancho. El paso de la luz natural primero a través de las placas plásticas translúcidas de la cubierta superior y filtradas por las hojas de policarbonato después, confiere a los lucernarios el aspecto de grandes plafones de luz difusa idónea para la lectura.
Cortesia de Albert Faus
Cuando el sol se pone y la luz artificial prende, al pie de las ventanas se sientan jóvenes estudiantes que aprovechan la iluminación del edificio para hacer sus quehaceres escolares.
En el contexto del proyecto StgoLateral y bajo el nombre “Un atajo, una galería, mil historias”, las galerías del centro de Santiago se unirán de manera inédita este sábado 30 de mayo a las celebraciones del mes del Patrimonio.
A través de un recorrido por las galerías Matte y Edwards, dos de las más representativas, se dará cuenta de la relevancia de estos lugares para el desarrollo urbanístico y comercial de la capital; también de cómo esta singular red –son más de setenta las galería y pasajes- ha dotado a la ciudad de una identidad única.
Se trata de una invitación a caminar por los pasillos de estos recintos y a sumergirse en una parte fundamental de nuestra historia a través de un trayecto de 30 minutos que tendrá como punto de partida la Plaza de Armas, frente al Portal Fernández Concha.
El objetivo de esta iniciativa es revitalizar y poner en valor las galerías y pasajes capitalinos mediante el trabajo asociativo de los actores del territorio.
El recorrido se realiza entre las galerías Matte y Edwards, con salidas cada 30 minutos desde las 10.00
Inscríbete en stgo.lateral@gmail.com y conoce el recorrido acá.
El proyecto StgoLateral está financiado por el Fondo de Innovación y Competitividad de Asignación Regional (FIC_R) perteneciente al Gobierno Regional Metropolitano de Santiago, siendo ejecutado por el Laboratorio Ciudad y Territorio de la UDP, Santiago Innova y CORDESAN. Cuenta con la colaboración de la Ilustre Municipalidad de Santiago y SERNATUR.
Título: Tour: 'Un atajo, una galería, mil historias'
La exhibición interactiva simboliza un recorrido por la obra del autor colombiano, Gabriel García Márquez, a través de una selección de fragmentos literarios que hacen referencia al mar que une a ambos países y que está presente en casi todas sus obras. El concepto creativo de la muestra nace del discurso ‘Botella al mar para el dios de las palabras’ que el escritor colombiano pronunció en el I Congreso Internacional de la Lengua Española en Zacatecas, México, en el año 1997. En dicho discurso, Gabriel García Márquez reflexiona sobre el poder de la palabra en la era de la imagen y la necesidad de liberarla de sus fierros normativos.
El visitante partirá desde la ciudad de Cartagena de Indias a través de la proyección de un video arte en el que distintos colectivos artísticos y personajes del panorama cultural colombiano han participado en una lectura colectiva de fragmentos de García Márquez. Los artistas participantes en este proyecto proceden de las artes escénicas, el arte digital, la música contemporánea, la arquitectura, la publicidad, la programación creativa o la innovación, los cuales se han implicado en su conjunto de forma transversal y diluida para crear una travesía en la que el único autor sea Gabriel García Márquez.
Esa lectura “liberará simbólicamente” las palabras, que serán intervenidas por distintos artistas para finalmente ser materializadas en palabras en 3D.
En esta ocasión la tecnología ha adquirido un protagonismo muy relevante ya que gracias a las nuevas tecnologías se ha podido coordinar a unas 50 impresoras 3D para que trabajen durante día y noche al unísono para ir dando vida a cada una de esas palabras y volver a ordenarlas en una nueva obra, esta vez en forma de instalación interactiva que configurarán un mar de palabras interactivo.
Cortesia de PKMN Architectures
Patrocinada por Telefónica y la Embajada de Colombia en España, como homenaje a Colombia, país invitado a la feria de arte internacional arcoMadrid. .
Conceptualización : Barrabés Meaning www.barrabesmeaning.com / Think Big Factory www.thinkbig-factory.com Diseño arquitectónico: PKMN [pacman] Architectures www.pkmn.es Diseño interacción digital: Tecné Collective www.tecnecollective.com Videoartista:Romulo Aguillaume www.romuloaguillaume.com Diseño de sonido:Jose María Ciria, Julian Ávila Impresión 3D: Ultra-Lab http://ultra-lab.net/ Fotografía: Javier de Paz García www.estudioballoon.es Colaboración: de Álvaro Restrepo y El Colegio del Cuerpo.
Descripción de los arquitectos. Con el objetivo de limpiar el aire en la sala de fumadores del centro comercial Grand Tree Musashikosugi, tomamos 2 medidas específicas. En primer lugar, establecimos una pared curva e inducimos el humo hacia un escape en el techo.
Corte
En segundo lugar, pusimos un ventilador entre el cenicero y la salida de escape, atrayendo rápidamente el humo hacia arriba. Con estas medidas, el humo sale inmediatamente de la zona de respiración del usuario. La habitación es un espacio de 3 x 4 metros.
Al poner el gran mesón blanco y sus ceniceros a un costado de un muro espejado, el reflejo parece llevar el humo hacia un interior aún más profundo. Esta habitación para fumadores genera un flujo eficaz del aire y también un interesante efecto visual.
Tras nueve años de investigación y desarrollo, un equipo de la Universidad Técnica de Delft (TU Delft) presentó los avances de un prototipo de concreto que se repara a sí mismo (Self-healing Concrete), gracias a la adición de bacterias en su formulación, las que podrían "picar" ingredientes presentes en la mezcla para reparar progresivamente pequeñas grietas y agujeros.
La fórmula desarrollada por la TU Delft va más allá de reparar desperfectos meramente estéticos, pues si estas grietas crecen, permiten el paso del agua corroyendo el acero reforzado y no sólo comprometen las cualidades mecánicas de la estructura, sino también fuerzan a que los ingenieros exijan mayores cantidades de acero reforzado en sus cálculos, aumentando los costos finales de producción.
"Creo que éste es un muy buen ejemplo de cómo unir la naturaleza y la construcción en un nuevo concepto", explicó a CNN el profesor e investigador del TU Delft, Henk Jonkers.
Conoce cómo funciona, después del salto.
El bioconcreto oconcreto bacterial, como ha sido conocido mediáticamente, incorpora bacterias bacilo en la mezcla básica del concreto desarrollo por la universidad holandesa, produciendo esporas que pueden sobrevivir hasta cinco décadas sin alimento ni oxígeno, según explicó Jonkers a The New Scientist en 2010, cuando la investigación había salido airosa de sus primeros experimentos un año atrás.
¿Cómo funciona? Para efectuar la reparación, las bacterias bacilo se almacenan dentro del concreto en cápsulas hechas de plástico biodegradable, las cuales se abren al entrar en contacto con el agua, una vez solidificada la mezcla. Las bacterias se almacenan de lactato de calcio y producen piedra caliza, la materia que repara el concreto.
El equipo de investigadores actualmente trabaja poniendo a prueba las distintas capacidades de las bacterias de responder ante ataques de sulfato o amplias oscilaciones térmicas. Asimismo, buscan reducir su costo de producción para convertirse en una alternativa accesible frente a la oferta actual, pues sus potencialidades de explotación comercial son amplias: desde edificios residenciales hasta la construcción de "contenedores subterráneos de residuos peligrosos, ya que las personas no tendrían que acercarse para reparar las grietas producidas", según explica el MicroLab de la TU Delft.
Descripción de los arquitectos. La complejidad geométrica del terreno, las visuales desde el sitio, el amplio potencial urbano y la esbelta estructuración fueron los detonadores del partido arquitectónico: un espacio libre delimitado por dos muros de acero que soportan, contienen el espacio y dirigen las visuales.
Planta Terraza
La minuciosa interpretación y aplicación de la normatividad, permitió integrar en un predio de 167.00 m2, más de 1,600.00 m2 de oficinas dividido en 9 niveles, cupo para 48 autos, y una terraza común en el último nivel.
Con tan solo dos esbeltos muros estructurales de acero, en conjunto con tridilosas soportan la carga gravitacional y sísmica y liberan la planta baja para el libre flujo peatonal. La planta libre sin columnas aumenta el espacio rentable al máximo. Los muros portantes son paneles dobles de acero que funcionan como aislante térmico al igual que la doble fachada de cristal en la cara sur.
El programa de oficinas corporativas genero una importante demanda de autos resuelta con un estacionamiento robótico subterráneo que ocupa parcialmente el espacio bajo la calle.
Planta Sótano
La ejecución del edificio, primordialmente prefabricado y ensamblado en sitio, se llevó a cabo en un tiempo breve.
Descripción de los arquitectos. Este proyecto tenía como objetivo dar una mejor calidad de vida para sus empleados, así como reflejar la esencia de la marca. Fue diseñado para ser un espacio fresco y agradable, optimista y alegre. El proyecto desarrollado en dos plantas comienza con un hall de entrada con techo de madera hechos a mano que representa logo olas de Coca Cola. La paleta es neutra y saca los tonos blanco, negro, beige y madera que permiten un perfecto equilibrio con rojo distribuidos en otros elementos de diseño.
Este proyecto tenía como objetivo dar una mejor calidad de vida para sus empleados, así como reflejar la esencia de la marca. Fue diseñado para ser un espacio fresco y agradable, optimista y alegre. El proyecto desarrollado en dos plantas comienza con un hall de entrada con techo de madera hechos a mano que representa logo olas de Coca Cola. La paleta es neutra y saca los tonos blanco, negro, beige y madera que permiten un perfecto equilibrio con rojo distribuidos en otros elementos de diseño.
Corte
La oficina representa las tendencias generales en nuevas formas de trabajo: oficinas abiertas y espacios de comunicación. El proyecto recibió la certificación LEED (Liderazgo en Energía y Diseño Ambiental) Certificación este 2015.
El proyecto de remodelación y ampliación del Museo Chileno de Arte Precolombino, respondió a la necesidad de presentar la colección de objetos prehispánicos originarios del actual territorio Chileno; hasta la fecha el museo presentaba en su mayoría, objetos provenientes del resto de Latinoamérica.
El arquitecto Smiljan Radic, frente al desafío de ampliar el inmueble declarado Monumento Nacional, decidió crear una sala subterránea socavando el terreno debajo del edificio existente, para acoger la nueva exhibición "Chile antes de Chile". El diseño de iluminación, por su parte, se inicio el 2010 por el estudio Limarí Lighting Design - LLD a cargo de Pascal Chautard, en estrecha colaboración con el equipo de arquitectura y con ausencia del proyecto museográfico.
Actualmente, fue seleccionado como uno de los 5 proyectos finalistas de Iluminación Interior en el LAMP 2015 y galardonado bajo la misma categoría con el el premio ILUMINET.
Conoce más información y detalles técnicos a continuación.
Se intento realizar gestos muy simples y hasta minimalistas que permitan favorecer la visión de la arquitectura como obra mayor, y trabajar las transiciones lumínicas para acompañar el recorrido del visitante desde el exterior ayudando la adaptación de su sistema visual hacía la sala de exhibición en la cual los niveles bajan hasta 40 lux por criterios de conservación de la colección.
Los patios, se iluminaron por reflexión de los planos verticales, dejando a contraluz los pilares, destacando las líneas neoclásicas del edificio, adicionalmente, en el patio norte la cubierta de PVC inflable transparente se trasformó en una “lámpara” gracias a un sistema de iluminación indirecta difusa perimetral.
En el hall se destacó el mapa de Latinoamérica ubicado al fondo de la escalera principal, iluminándolo desde los muros laterales y transformando el cuerpo de la escalera en un objeto escultórico iluminado a contraluz.
Las escaleras fueron iluminadas desde las barandas con un sistema de iluminación lineal que permite ir acostumbrado el aparato visual de los visitantes a niveles de iluminancia reducidos y a su vez permitió no agregar elementos externos a la arquitectura.
En ausencia de un proyecto de museografía, se intento diseñar un sistema flexible para la sala de exhibición conformada por un volumen de 35m x 11m x 7 metros de altura que fue dotada de una grilla de puntos equidistantes de 2,5m a piso para alimentación de las futuras vitrinas. A cielo se dispusieron rieles energizados embutidos cada 2,10m para la iluminación de la muestra, iluminación ambiental y de servicio equipados con proyectores LED. Para las lucarnas de los extremos sur y norte de la sala se realizo un efecto de luz indirecta sobre el revestimiento de mármol travertino que complementa el ingreso de luz natural y permite un efecto de recorte sobre los objetos de la sala.
Esquema
Durante el año 2012, se incorporo al proyecto el museógrafo inglés Geoffrey Pickup con quién colaboramos para el diseño de la iluminación de los elementos museográficos.
Los interiores de la vitrinas fueron tratados en general con fibra óptica interna alimentada por generadores LED atenuables y complementandos en algunos casos con proyectores desde los rieles situados en el cielo de la sala. Las dos vitrinas de textiles de muy gran tamaño (3,00 ancho x 4,00m de alto) fueron iluminadas exclusivamente desde los rieles superiores.
Los objetos situados fuera de vitrinas como fue el caso de los chemamules (esculturas de los indios mapuches de madera ) están iluminados desde los rieles cenitales con proyectores, la luz natural y eléctrica proveniente de las lucarnas permite recortar sus siluetas.
Se diseño e implemento un sistema de control centralizado que permite la programación y la restitución de las elaboradas escenas de iluminación del museo.
Este proyecto fue seleccionado entre 135 proyectos de diseño de iluminación de Iberoamérica para participar de la muestra PANORAMA organizada por Anne Bureau que presento 50 proyectos destacados de iluminación en el marco del tercer encuentro iberoaméricano de Lighting design EILD 2014 desarrollado a principio de Noviembre 2014 en Medellín. Estos 50 proyectos se encuentran publicados en el libro “premios Iluminet”, Un PANORAMA del diseño de iluminación en Iberoamérica.
En este marco el jurado de los premios ILUMINET conformado por Anne Bureau (France), Gustavo Aviles ( México), Maurici Gines (España), Ricardo Hofstadter (Uruguay) Camenza Henao (Colombia), Luis Juan Lopez Bareiro (México) eligió el museo precolombino como mejor proyecto de iluminación interior y le otorgo el premio ILUMINET.
Diseño de iluminación:LLD, Limarí Lighting Design Equipo Iluminación:Pascal Chautard, Carolina Roese. Arquitecto:Smiljan Radic Museógrafo: Geoffrey Pickup Producción Montaje: SUMO, Luis Sebastian Moro, Pablo Romero, Eloisa Cruz Diseño sistema Control: Cristobal Brahm, Home Control Fotografías: Aryeh Kornfeld
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